Festival Apolo

Dimensión esotérica del Arte

2011-06-01T14:42:00.000-07:00

POR CESAR CHUPINA. De nuevo expuse en el Centro Cultural Rosacruz. El tema fue “La Dimension Esoterica del Arte” desarrollándolo en dos partes: Una tesis divida en dos partes por medio de una pausa reflexiva sobre lo que es el Arte y la Belleza. Cite varios fragmentos del trabajo “La Musica de las Esferas” del Dr. Carlos Seijas. los mismos, Esperancita de Ambeliz, con quien compartimos la direccion de la Comision de Cultura de dicha entidad, los leyo con el enfasis que le da laextraordinaria oratoria que la caracteriza…

Tengo muchas razones personales y académicas por la cuales quiero desarrollar este tema. Pero todas se sintetizan en que el Arte es parte de mi vida. Nací para hacer teatro y escribir y constituyen ambas disciplinas parte de mi vitalidad. Tengo arte en mi genética desde mis ancestros donde puedo perfectamente mencionar del lado paterno a ascendientes de mi señor padre tanto de su lado materno como paterno que hacían arte y desenvolvieron su vida en los dos siglos pasados en el mismo.

Al estar en AMORC, como aquí nos dejan ser nosotros mismos y el plan es el autoconocimiento y muy contrario a lo que pensé al creer que había dejado atrás el Arte por ser una etapa de mi vida, esto se acentúa y encuentro aquí el canal perfecto para desarrollar lo que en Teatro se me ocurrió como “esoterización escénica”. De hecho AMORC es el gran océano a donde vienen a desembocar mis ríos y riachuelos que son las cosas que he hecho en mi vida y aprendido. Cada detalle ha adquirido sentido en la misma.

Cuando inicié en el Arte me decidí por lo que se conoce como Teatro experimental para dar una opción distinta en el medio en el que me formé. De hecho nada raro en mi vida que de por sí es un experimento apasionante. Fue así como decidí a jugar con los sígnos teatrales, a quitar y poner del hecho escénico a capricho y antojo, a inventarme una teoría y a llegar a lo que se llama esoterización. Al descubrir que podía dominar mis emociones en el escenario me dije que también podía aplicarlo a la vida real y es así como llegué al autodescubrimiento donde cuando alguien trabaja conmigo en mis laboratorios siempre sale transformado porque no sólo las técnicas lo ayudan a su superación personal sino que el personaje teatral se convierte en un espejo para verse a sí mismo. En este sentido, uno de mis mejores experimentos ha sido “Romance entre Tres”. En el mismo, se pinta a mi personaje, Mario como un ser violado por su amigo tras haberlo tenido prisionero en una caja. Mientras iba desarrollando el personaje emocional descubrí que yo no puedo estar encerrado y como al final de la trama todo sucede en la mente de Mario que soy mal pensado. Como ante el espejo me dije que Mario era un estúpido en tales o cuales cosas y que César ni de chiste haría tal o cual cosa. Como mi teatro siempre es reflexivo, la mayoría de las veces al final hago un foro y los resultados fueron sorprendentes al decirme los asistentes que ese hecho de violencia allí pintado no era nada a la vida real donde había cosas peores y la gente empezaba a contar sus historias.

Otra cosa importante en este hecho escénico que cambió mi forma de hacer arte por completo es el compartimiento energético con mi partenaire. Vinicio Reyes, quien hacía el personaje del amigo de Mario, llamado Renato. El terminaba exhausto mientras yo tenía mucha energía. Descubrimos que yo hacía respiraciones mientras él se hartaba de comida y obviamente los metabolismos eran otros. Por otra parte, el desarrollo emocional de Vinicio lo hacía entrar en una katarsis personal cuando había matado a Mario que removía los aspectos más profundos de su ser. Y como yo nací para la vanguardia, este hecho escénico me colocó a la delantera del teatro gay en Guatemala, denominado así por su temática y que nadie se había atrevido a hacer en nuestro país.

No he tenido tapujos en entrarle a cualquier temática. El destino me dio el estandarte de la experimentación artística en Guatemala con resultados tales como al conjuntarlo con la religión el Teatro Itinerante con la escenificación de la Pasión de Cristo en vivo como si fuera una procesión. Esto se fusionó a otra idea rara y loca que se nos ocurrió en el I festival del Centro Histórico del cual soy fundador: El Teatro Bus que es hacer teatro en un bus que va caminando y que a la vez se fusionó con el Teatro Instalación en la que los espectadores son los que caminan alrededor de las escenas como en una instalación plástica y el Teatro Conferencia donde fundí aspectos teatrales con conferencias como ésta. De estos experimentos el más notable es la Pasión de Cristo donde a través de la figura de Jesús pudimos llegar al alma de muchas personas. Célebre es el montaje que hicimos en el Gallito con exdrogadictos.

Al experimentar con la Ciencia desarrollamos el teatro gestual con personas sordas. Es uno de los grandes momentos de mi vida, captado por los medios de comunicación internacional. Al desarrollar este tema, pedí asesoría al Dr. Carlos Seijas y me envió un trabajo suyo denominado “La Música de las Esferas” donde subrayo lo siguiente ante mi propio asombro: “Puesto que la música (yo diría el Arte en general y ya hablaremos de quien a mi entender es la madre de todas las artes) afecta a todo el organismo humano, puede ser valiosa en el tratamiento de una invalidez física, ya se deba esta a poliomielitis, parálisis cerebral, distrofia muscular progresiva, enfermedades respiratorias o, también, algunas minusvalías sensoriales como ceguera y sordera…”. Más adelante, Seijas recalca “para los sordos, la música puede ser físicamente terapéutica, pues corrige ciertos efectos fisiológicos debido a esa discapacidad”.

En la “esoterización escénica” o Visión Esotérica del Arte parto de que todo tiene varios niveles de lectura. Algunos aseguran que son siete las llaves que nos da cada cosa. Obviamente, si hablamos de arte una de las dimensiones es esotérica si queremos entender al arte como una expresión espiritual.

Es un camino que lleva a autodescubrirnos y a entrar en contacto con una dimensión que sobrepasa la material, la percibida por los sentidos mismos. En ese sentido, la “esoterización escénica” en el Teatro que bien puede decirse simplemente “esoterización” en el resto de las artes (incluyendo el teatro) no es más que la búsqueda de esa dimensión en el hecho creativo, plasmada en símbolos y signos que sólo el alma entiende y la expectación y descubrimiento de la misma por parte del espectador.

A nivel académico es obvio el tema debido a que el arte es una de las caras de la Pirámide que conforman todas las escuelas filosóficas e iniciáticas. Al apelar el mismo a las emociones y darle un nivel diferente al pensamiento en Occidente ha hecho que consciente o inconscientemente muchas creaciones nos acerquen el cielo. Cabe mencionar el caso de Mozart, Leonardo da Vinci, el teatro griego, entre otros para darnos cuenta al nivel de perfección a que puede llegarse. En esto cito de nuevo al Dr. Seijas en su trabajo mencionado que lo concluye precisamente hablándonos de la fuerza de la Música que yo aplico a todas las artes: “…esta fuerza es suficiente para emocionarnos hasta lo más profundo. ¿De dónde viene esta fuerza? Viene de la tierra y del cielo. Un cantor flamenco era entrevistado en una discusión de musicólogos sobre el origen de esta tradición: «Yo trabajo mi campo - dijo él - la tierra se abre y su canto se eleva. Eso es el flamenco». La verdadera música es una ofrenda de la tierra que se eleva hacia el cielo. Entonces sucede que el Cielo responde”.

Como miembro de AMORC estoy más que convencido que así como se han hecho esfuerzos históricos para conciliar Ciencia y Misticismo de la misma manera debe suceder con el Arte y el Misticismo. Esta es por supuesto una mejor ventana para el alma que la Ciencia misma porque toca las partes más sensibles del ser humano. Llega a lo más profundo de su sistema nervioso y sabemos que es aquí donde en ciertas partes nos conectamos con el Cósmico.

De hecho parto en que el Cósmico es un artista. Que la mejor obra arte es la suya y nosotros estamos incluidos en él. Al decirnos que somos “su imagen y semejanza” tenemos dentro de nuestras cualidades el poder de crear, de hacer cosas y de hacerlas perfectas y bellas. Y es precisamente la belleza uno de los atributos del Gran Arquitecto reflejadas en su creación.

Y sin ir muy lejos sabemos que los grandes ideales de la humanidad son la Verdad, la Bondad y la Belleza, para lo cual existen los caminos respectivamente de la Ciencia, la Religión y/o Filosofía y el Arte. La “esoterización” no hace más que poner un ingrediente extra a lo que estamos acostumbrados ya que al percibir con los sentidos corporales como se hace convencionalmente en estos caminos, tenemos un invitado adicional en nosotros mismos: Los ojos del alma… Aquellos que ven más allá de dichos sentidos materiales.

PAUSA REFLEXIVA
DIMENSION ESOTERICA DEL ARTE
Conexión a lo bello

•el Arte es una de las caras de la pirámide esotérica

•el Arte es belleza

•belleza es valor a perseguir

•belleza genera emoción estética

•“quién lee poesía no trata de "entender" un poema, sino más bien se armoniza con él…” CARLOS SEIJAS

•“quién lee poesía se armoniza con el poeta para "sentir" como él, encontrar su "saber“…”CARLOS SEIJAS

•“lo bello es una forma sensible de la Armonía que trasciende los objetos y a la cual el mundo material brinda tan sólo un soporte” J.A. LIVRAGA.

•“la belleza es la más inmaterial y dinámica de las formas” J.A. LIVRAGA.

•“el Arte es un elemento profundamente unido a nuestra naturaleza humana a través del cual recibimos el escondido secreto de la vida”
•esta es la dimensión esotérica del Arte

•“el Arte puede elevarnos o hacernos egoístas, fijarnos en un mundo sensible o atraernos hacia las esferas de la espiritualidad”. Hegel.

•“…el Arte a quienes lo creamos puede enaltecernos o envilecernos…” Irina Polá

•“cuando la luz de la belleza toca el aspecto visible del hombre, se expresa en elegancia”

•“cuando se refleja en sus acciones es cortesía”

•“cuando impregna sus emociones y sentimientos se manifiesta como bondad de corazón …”

•“…y cuando ilumina las Ideas, la belleza es Sabiduría….”

•“…los griegos decían que si lo bello iba al lado de la bueno era dos veces bello…” Irina Polá

•“si todos construimos algo fuerte y grande dentro de nosotros, es posible que todo el mundo sea mejor, más fuerte y grande...y más bello”
•esta es la dimensión esotérica del Arte

EL ARTISTA
EN LA DIMENSION ESOTERICA DEL ARTE
Cuando creamos arte establecemos una estructura. En cuanto a esto me vuelvo a apoyar en el escrito del Dr,. Seijas: “La diversidad y proliferación de notas (yo aplicándolo a todas las artes diría signos) es inmanejable sin una estructura que la sostenga. Esta estructura no tiene que ser necesariamente una estructura musical, puede ser arbitraria, no musical o aleatoria. Si la estructura es arbitraria, sentimos la ausencia de presencia: es la música no-musical. Si la forma musical está determinada por la oportunidad en vez de la intención, reconocemos la música no-intencional. Si es intencional pero aún no-musical, sentimos la ausencia de musicalidad. La forma puede ser natural o no. Si es natural, puede ser orgánica o inorgánica. Si es no-natural, es ajena a nuestra naturaleza…La vida musical de cualquier cultura adopta sus propios principios para dar orden a la profusión de sonido. Estos principios de organización reflejarán la naturaleza de la cultura, junto con servir para expresar esta naturaleza, ya sea intencionalmente o de otra manera. La noción de correspondencia implica que podemos conocer sólo lo que es parte de nosotros. Si vemos el acto de la música como una unidad, en la cual no hay separación real sino sólo aparente, deberíamos deducir que hay algo inseparable en la naturaleza del músico y de la música”. Hasta aquí la cita a Seijas.

Y por supuesto que hay algo inseparable en la naturaleza del artista y del arte mismo. Todo lo que realiza es producto de la inspiración que le viene del Cósmico. Es un receptor de éstas y luego las transmite. Si no cae en el juego egoico de que él es el genio productor de las ideas inspiradas y se autoengaña sabe que es un canal por medio del cual el Cósmico expresa su belleza. Esto lo goza, lo vive y con sencillez lo expresa en un juego íntimo entre Dios y él. Hace de la creación un goce, un éxtasis. Seijas nos vuelve a ilustrar. Vuelvo a leer un fragmento de su escrito: “… un músico animado de un poder espiritual, un maestro espiritual, podrá obtener un efecto con prácticamente cualquier instrumento. … Los neoplatónicos del renacimiento conocían esto muy bien. Como Marcelo Ficino, un esoterista neoplatónico veneciano, que había establecido una especie de teurgia: tocando el violín, quemando perfumes, concentrándose en las vibraciones de ciertos planetas, él llegaba a fundirse con la entidad metafísica del planeta. ¡Todo esto en pleno Renacimiento! Más adelante se suprimió todo lo que podía producir una apertura espiritual demasiado sensible. Occidente ha caído en el materialismo, y, como compensación, se ha creado una imagen demasiado abstracta de la espiritualidad, separando radicalmente el espíritu del cuerpo. Y la música, en mayor grado que las otras artes, se sitúa justamente entre esos dos dominios, en las regiones del alma, de los sentidos interiores, de lo imaginario. Desde hace largo tiempo la música llamada clásica no se contacta sino con el intelecto; y esto también ocurre a menudo en Oriente. Esta supresión se efectuó en varias fases; pero en el siglo XIX todo quedó consumado”.

Seijas nos dice de la inspiración algo que ilustra el proceso creativo de todas las artes si cambiamos el lenguaje musical por el de cada una de ellas. En el caso del teatro yo diría, los signos teatrales, por ejemplo: “…Hablando de la inspiración, ésta es siempre importante en Occidente. Se espera de un intérprete que esté inspirado…Los artistas orientales, como los griegos consideran que ellos están sumergidos en una atmósfera donde flotan sonidos musicales… y que basta con captarlos. Pero entonces la inspiración significaría estar en otro estado, trascenderlo todo. Cuando se llega a ese estado de inspiración, se entra de golpe en la significación de una pequeña frase melódica. Ella habla y se siente que está viva de una manera diferente a la habitual. Entonces uno entra en sí mismo y esa frase nos lleva hacia otra y se siente la posibilidad de desarrollar algo nuevo. Llega un momento, con ciertos instrumentos en particular, en que el ejecutante siente que no es él quien está produciendo la música, ella actúa por sí sola. Muy a menudo es la mano la que piensa, ella lo hace. Cuando el músico constata esto, se vivencia a sí mismo como si fuera un lugar de tránsito de energía. Es una sensación indescriptible y que llena de dicha. Se pueden producir cosas increíbles. … Existen numerosas maneras de estar inspirado, pero la condición es una sola: eclipsarse. Lo que es catastrófico es cuando un músico tradicional toca desde su ego”.

El artista en la dimensión esotérica del arte, ve arte en todo porque reconoce que todo es parte de la obra del Cósmico y como es un místico aunque no se autodefina tal reconoce y respeta las jerarquías y ve también en la artes un reflejo de las jerarquías divinas. Coloca así la música como la madre de las artes porque ésta viene del Verbo mismo y es un derivado del lenguaje inicial y/o angélico que teníamos con Dios en el Paraíso antes que nos echaran del mismo.

La Música no sólo le acompaña en sus creaciones al artistas sino que forma parte de ellas aunque no sean música propiamente dicha Es así cómo vemos que la música no puede hacerse sin música; que hay música en el Teatro; que los parlamentos de éste son música; en la danza no se baila sin música y los artistas de la plástica expresan ritmo en sus imágenes y los de la palabra en sus textos. El cine, la televisión y otras expresiones tienen a la música como un personaje esencial.
Seijas al hablarnos del poder de la música dice que hay muchas respuestas que dicen cuál puede ser éste para terminar dándonos una pauta, una clave que está en el hombre mismo, en el creador, en el artista: “Una respuesta que pudiera ser más satisfactoria se perfila al abordar el tema del poder interior del ejecutante… Para transmitir un influjo, el ejecutante debe tener él mismo un cierto poder que viene de la calidad de su concentración, de su meditación. … es uno de los ejes fundamentales. Se ve raramente un músico que llegue a fascinar a la gente sin tener en sí mismo esta especie de fuerza interior. Por lo demás, esto es lo que constituye el beneficio de una tradición: se es iniciado a una cierta forma de espiritualidad a través de la música. Todo marcha junto… Por otra parte, la forma de la música misma hace que ella sea capaz de transmitir un poder o no. Si alguien trabaja sobre bases musicales que no corresponden de ninguna manera a las leyes de la naturaleza, como se observa a menudo en occidente hoy día, su espiritualidad no se puede expresar tan bien como la de un Bach por ejemplo. …Hablando de instrumentos hay algunos que se prestan particularmente a la transmisión de influencias y poderes. … ciertos instrumentos transmiten mejor que otros. … En la cultura occidental, es el violín el instrumento más cargado de poder... Cada cultura posee sus instrumentos privilegiados”.

Todo artista desde la dimensión esotérica tiene tres disciplinas: la de las manos, la de la cabeza y la del corazón. Las tres son en realidad, una. Son él mismo Cuando Seijas aplica esto a la música nos dice: “Las manos - una extensión del cuerpo total - la cabeza y el corazón pueden ser vistos como los elementos de operación, de acción, en la vida musical, y también como el asiento para la introspección o formas de experimentación de los diferentes mundos de la música: música como una cualidad, música como esquemas desplegados, y música como un evento fenomenológico. …El grado en el cual ocupamos su potencial es el grado que experimentamos plenamente o no, todo lo que es posible en nuestra vida musical. … la posibilidad que sea una puerta abierta al mundo de las cualidades, y entonces buscar el significado de una pieza musical. … El acceso a un mundo más sutil está más próximo a nosotros que el aire que respiramos. Es sorprendente, pero es una puerta que me lleva hacia mí mismo…”.
El artista en la dimensión esotérica del Arte sabe que al proyectar la creatividad del Cósmico, caminos como el trazado por AMORC, es la mejor guía para no perderse. De eso doy fe. Por ello, para finalizar la sesión de hoy voy a presentarles dos aspectos de lo que me ha sido inspirado con esta guía. El primero, tengo una propuesta para seguir con la esoterización. En ese sentido estar aquí ante ustedes hablándoles del tema que hoy nos ocupa es para mí simbólico porque abro con ella el tema como uno de mis aportes finales en esta encarnación. Así que estén pendientes porque algo saldrán de mis laboratorios… que ahora los pongo bajo los auspicios de la Rosa Cruz.

El segundo aspecto es mi último poemario. Ustedes pueden encontrar mis escritos en todos los géneros en Internet en las páginas que manejo. Uno de ellos es el recorrido de la poesía que escribo desde mi primer poema hasta el último. A continuación voy a proyectarles una selección de los últimos que se engloban poemario que se llama Poemario Rosacruz y me ha servido para experimentar con imágenes como ustedes serán testigos. El primer poema que aquí aparece fue producto de mi primera hora de Sanctum. Por ello, haremos este recorrido en el silencio. Como si estuviéramos cada uno en el nuestro. Los que son rosacruces me entienden. Y quienes no, experimentarán que cosas como las aquí presentadas pueden también experimentar ustedes en sus respectivos campos.

Y es que como nos dice el Dr. Seijas en el escrito que hemos citado en este espacio: “La música – repito que para mí en este contexto este es sinónimo de arte-… actuando sobre nuestro cuerpo y nuestro espíritu, por su sonido, su ritmo, su melodía, su armonía, ella nos transforma y nos vuelve a crear, modifica nuestra visión del mundo y nuestra relación con él… La música, al ser originalmente religiosa, tenía por finalidad religar el sujeto a las fuerzas que lo rodeaban y abrirle el acceso a mundos invisibles. …Por todas partes, se hacía música. Para elevar el alma, exaltar las pasiones, mecer, encantar, marchar, danzar, trabajar, soñar. Y cada cual captaba intuitivamente que ese poder musical es el más grande que existe, el poder mismo del verbo: el poder de crear”.

Fallece icono del teatro chileno

2011-03-03T12:23:00.001-08:00

Con profundo dolor comunicamos el fallecimiento de la escritora y dramaturga chilena, socia honoraria de SELAE, entidad a la que pertenezco, Isidora Aguirre Tupper quien falleció la noche del viernes 25 de Febrero de una insuficiencia respiratoria a los 92 años de edad.

Isidora Aguirre nació en Santiago de Chile el 22 de enero de 1919. Constituye uno de los hitos de la historia del teatro chileno de la segunda mitad del siglo XX. Realizó estudios sociales y más tarde siguió cursos de técnica fílmica en Francia y dramaturgia, dictado por Hugo Miller, en la Academia Chilena del Ministerio de Educación.

Fue profesora de Teatro Chileno y de Construcción Dramática en la Universidad de Chile. Comenzó escribiendo e ilustrando literatura infantil a finales de los años cuarenta del siglo pasado. Estrenó sus primeras comedias “Carolina” y “La Dama del Canasto” en 1955.

Experimentaba con diversos estilos teatrales: farsa, comedia, comedia musical, obras históricas, obras testimoniales y teatro popular. En 1959 estrenó su primera tragedia, “Población Esperanza”, de marcado contenido social y escrita conjuntamente con el novelista Manuel Rojas. Al año siguiente escribe su obra más reconocida y famosa, “La pérgola de las flores”.

Isidora Aguirre fue autora de 27 obras teatrales y de 2 adaptaciones de las obras clásicas de Lope de Vega y Miguel Ángel Asturias, Fuenteovejuna y El Señor Presidente, respectivamente. El último reconocimiento en vida que recibió Isidora Aguirre Tupper fue el “Premio a la Trayectoria” que cada año entrega la Sociedad de Escritores Latinoamericanos y Europeos, SELAE, de Italia. El premio le fue entregado el día 8 de Octubre de 2010.

Fernando Navichoque

2011-02-07T14:23:00.000-08:00

POR CESAR CHUPINA. El II festival Apolo, realizado en el Museo del Ferrocarril fue dedicado al maestro Fernando Navichoque cuya semblanza tuve el honor de resaltar en la ceremonia de inauguración. Placer grande para mi porque si me gusta hablar de los demás es para exaltar las virtudes a través de las cuales descubro su alma. En Fernando Navichoque descubrí que es una leyenda viviente……

Una leyenda llamada Fernando Navichoque
Inicié mi disertación recordando a Irina Polá, la Musa del Centro Histórico de la ciudad de Guatemala, quien inspiro en la década de 1990 la creación del festival Apolo en lo que era la sede de Alianza Francesa del Centro. La idea era promover a los nuevos valores, como Irina lo hacia, pero poniendo siempre de ejemplo lo mejor de lo que los mayores han hecho. Por ello, se dedicaba los festivales a personas clave y fue así como fueron honradas figuras como Maria Teresa Martinez, Antonieta Somoza, Atala Valenzuela, Rebeca Morales, Mildret Chávez de Almorza, Luis Lara Rosales, Juan de Dios Quezada, Miriam Monterroso, Manuel Lisandro Chávez, entre otros.

Gracias a Fernando erazo, en el añ0 2008 el festival entró a una nueva época y lo revivimos. Se lo dedicamos a Manuel Corleto por el simple hecho que Fernando y yo somos teatristas y él y su obra es uno de los temas que académicamente yo manejo con la maestría debida. Pero, lamentablemente, Manuel, murió antes del evento y el homenaje fue póstumo.

En 2009 se aceptó de inmediato mi capricho que fuera alguien de Danza el homenajeado u homenajeada. Al barajar nombres no fue muy larga la búsqueda ni la discusión porque el parámetro sigue siendo el ejemplo a seguir como deben ser realmente los maestros y se pensó en Fernando Navichoque cuyo carisma, simpatía y don de gentes hace que todo mundo lo admire incluyendo a los organizadores del evento.

El currículo
Si algo odio en este tipo de eventos es leer los curriculos. A manera de documento histórico, lo presento aquí porque leer es otra cosa que decirlo en un acto. Y en Internet es una forma de promover al exaltado.

FERNANDO ANTONIO NAVICHOQUE VALENZUELA
Edad: 57 años
Cedula: A-1 400031
Estado Civil: Soltero
Nacionalidad: Guatemalteco
Teléfono: (502) 5914 3948, (502) 2477 9288
Dirección: 20 calle 6-18, Valle Dorado Sec. C-3 Bulevar Sur
Zona 8 De Mixco, Ciudad San Cristóbal.

ESTUDIOS REALIZADOS:
1971-1979 Formación y especialización como bailarín de danza clásica, Folklórica y moderna.
Escuela de Danza
Instituto Terpsícore Guatemala
Universidad de Heredia, (San José Costa Rica)

Estudios con maestros internacionales, entre ellos: Kirik Pirkieris, Juan Carlos Ubiedo y Henry Daniels, Tulio de la Rosa, Denis Carey, Brydon Paige, Marcelle Bonge, Josefina Alonzo, Ann Quitzow, etc.

Y maestros Guatemaltecos como: Manuel Ocampo, Haydee Vázquez
Sonia Villalta, Rolando Zuñiga, Gladis García, Julia Vela, Antonio Crespo, Crista Mertins, Antonio Luissi, Susana Arévalo, Richard Devaux, Brenda Arévalo, Hilda Martínez y judith Armas.

EXPERIENCIA LABORAL Y ARTISTICA:
1998-2002 Maestro y Coreógrafo del Grupo de Danza del Centro
Cultural Universitario.

1993-1996 Subdirector del Ballet Moderno y Folclórico de Guatemala.

1996-2002 Bailarín Profesional, Maestro y Coreógrafo a nivel independiente, como en
Grupos de Danza del país como Ballet Guatemala, Teatro Musical y Ballet Moderno y Folklórico de Guatemala.

1971-1996 Bailarín Presupuestado del Ballet Moderno y Folklórico de
Guatemala

1992 Delegado del Ministerio de Cultura y Deportes para participar en el Pabellón de Guatemala en la Feria Universal de Sevilla 1992. como bailarín solista con el grupo Terracota, Durante ocho meses, Presentaciones en diferentes ciudades de Alemania, Francia, Suiza, Portugal y España.

FESTIVALES PARTICIPADOS:
Festivales Internacionales de Cultura.

Festival Internacional Cervantino, (Guanajuato México 1972)

Festival danza, (Arequipa, Perú 1972)

Olimpiada Cultural, (México 1968)

Celebración del Bicentenario de los Estado Unidos de América,
(Texas, EE.UU. 1976)

Celebraciones del Instituto Austriaco para América Latina.
(Varias Ciudades de Austria)

Festival Folklórico Hispanoamericano e Inauguración del Centro
Cultural “LA VILLA”. (Madrid)

Actividades Culturales de las Universidades de ZAGREB y
BELGRAD
(Yugoslavia, 1977)

Festival Folklórico de Burgos, (España, 1977)

Certamen Miss Universo, (Salvador)

Festival Internacional de Manizales, (Colombia)

Festival Internacional de Barquisimeto, (Venezuela)

Programa Aquí América y Teatro Colon, (Santiago de Chile)

Festival de la Hispanidad, (Miami EE.UU.)

Festival Folklórico de Puebla, (México)

XI Festival Latino, (New York, EE.UU.)

Latino América presente, (Bonn, Alemania)

Festival del LX Aniversario del Aeropuerto de Miami, (Miami)

Muestra Cultural Itinerante “Perfil 88, (Madrid, España, 1988)

WOLFSON 8 Dade University, (Miami, Florida, 1989)

Festival de Herencia Hispánica, Washington, D.C. EE.UU.
Presentaciones realizadas en la Casa Blanca, Pabellón Azul, O.E.A. sala Andres Bebllo, El Capitolio, El Pentágono, Base Bollings, Air Force y sede BID.

Festival de los Pirineos. (España, Durante 3 meses, 1992)

Festidanza 96 XVI, Encuentro Internacional de Danzas Folklóricas
(Arequipa, Perú, 1996)
II Festival de Danzas Folklóricas, (La Habana Cuba 1996).

SERVICIOS PROPORCIONADOS:
1977 Bailarín de Conjunto
1987 Bailarín Solista
1990 Técnico Artístico II (estrella)
1993 sub. Director Ballet Moderno
1995 Jefe Técnico Artístico I

COREOGRAFIAS ARMADAS:
CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO:
 VENADOS
 MUJERES DE ATITLAN
 VENDEDORES DE FERIA
 RAISES
 SON CEREMONIAL
 SON FIN DE FIESTA
 MENGALAS DE AMATITLAN
 FEROCARRIL DE LOS ALTOS
 DANZA DE LOS SIETE DIABLOS (SIETE PECADOS CAPITALES)
 BODA DEL SOL Y LA LUNA (BALLET COM.) MUSICA:
LUIS ESTRADA

BALLET MODERNO FOLKLORICO:
 LA BODA DE LA LUA Y EL SOL
 RECORDACION
 CONTAMINACION

BALLET GUATEMALA:
 QUINOK (LA HISTORIA QUE NUNCA SE CONTO)

EXPERIENCIA ARTISTICA BALLET GUATEMALA:
1984 Reacción en Cadena. Bailarín Invitado. XVI Festival de Cultura
1984 Muikus. Bailarín Invitado. XVI Festival de Cultura
1984 Baile de Graduados. Bailarín Invitado. Temporada Oficial Ballet Guatemala
1984 Copelia. Bailarín Invitado. Dirección de Cultura y Bellas Artes
1984 Gets Paricen. Cuerpo de baile. Temporada Teatro Nacional Ballet Guatemala
1988 Tres almas de un personaje. Solista. San Sebastián Certamen permanente Centro América 1er. Lugar
1988 Bailarín Invitado. Revista las Naciones
1990 Pájaro Blanco. Bailarín Principal. Temporada Ballet Guatemala
2000 Don Quijote. Personajes Principales. XXXIX Oficial
2001 Romeo y Julieta. Principal. “Paris”.
2002 Valladesa. Personaje Principal. Temporada Ballet Guatemala
2003 Venus. Estrella paso a dos. San José Costa Rica Representó a Guatemala en el Encuentro de Coreógrafos Jóvenes

EXPERIENCIA ARTISTICA EN COREOGRAFIAS CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO:
1996 Beneficio de Capilla Milagrosa, Casa Central Venado, Mujeres de Atitlan, Vendedores de feria, Raíces, Son Ceremonial, Fin de Fiesta
1996 Casa Flavio Herrera
1997 Campos, Aldeas Infantiles S.O.S. Boda la Luna y el Sol
1999 Teatro Municipal de Quetzaltenango, Dueto la Luna y el Sol
1999 Centro Cultural Universitario, Nuestras Raíces
2002 Centro Cultural Universitario, Dueto Boda Luna y el Sol, Venados Vendedores de Mercados en Feria, Raíces
2004 Premio Forestal anual Venados, Acanadoras, de Agua, Vendedores de Feria, Mengalas, Ferrocarril de los Altos
2001 Programa Talleres Camina IV “SICEVES CSUCA” Boda la Luna y el Sol Nuestras Raíces

¿Por qué leyenda?
Como la ceremonia la grababa el telenoticiero “Cuestión de Minutos” saludé a su director y audiencia y agradecí su presencia. Dije, entre otras cosas, que como Luis Domingo afirma con algunas personas (incluyéndome), Fernando Navichoque es un “maestro de maestros” atendiendo, por supuesto, en él como maestría la perfección a la que deben llegar todos los artistas. En Danza, Fernando en todos los sentidos lo es. En la etapa presente nos ha demostrado ser un excepcional coreógrafo donde esa maestría se concretiza. Y es que ese es el parámetro que los grandes que ha escrito la Historia del Arte (Leonardo Da Vinci, por ejemplo); nos han dejado.

Pese a ello, la característica fundamental de la personalidad de Fernando Navichoque sigue siendo admirada por todo aquel que le conoce. Nunca ha dejado de ser un hombre sencillo, lo cual lo ha hecho acercarse y ganarse los corazones de todos. Un homenaje como éste no es nada para su grandeza pero su sencillez lo hizo disfrutarlo, agradecerlo y emocionarse por el mismo. Y como lo semejante atrae lo semejante ha de ser por eso que su mejor amigo es quien fue uno de sus maestros, don Manuel Ocampo, quien también, destaca en sencillez y maestría. Al mencionar a Ocampo la audiencia aplaudió espontáneamente.

Sencillez y maestría combinadas hacen de Fernando una leyenda. Su personaje Tecun Uman del Ballet Moderno y Folklórico está en el inconsciente colectivo. Cuando las personas hablan de él y no recuerdan su nombre dicen: “el Tecun Uman del Ballet”. Y eso que ha dejado de interpretar el personaje hace muchos años, lo cual asevera lo que he dicho de su maestría. Obviamente antes de ser coreógrafo y catedrático ha sido bailarín; bailar es la razón por la cual las personas se integran al mundo de la Danza.

Y eso es algo que Dios lo guía. Fernando no sólo cree en El sino es signo del mismo. La ceremonia se llevó a cabo, según la Cosmovisión Maya, en el día del nahual Ajpu, el de los artistas. El color de éste es amarillo y terracota y coincidentemente Navichoque fue vestido con gabardina terracota y camisa amarilla. Además, como se convino se le dio al homenajeado una ofrenda floral en el que iba una vela simbólica. Por la hora que era se encendió la luz que resaltó en el claroscuro al caer la noche y encender las luces hacia el espacio escénico que utilizábamos. Espontáneamente Erazo y yo dijimos, sin habernos puesto de acuerdo pero bien sincronizados en nuestro inconsciente, que eso es precisamente lo que Fernando representa para todos: ¡Una luz!…. Lógico que nos referíamos a la luz de la sencillez y la maestría, ambas virtudes de Dios que es sencillo al amarnos y perdonárnoslo todo y maestría al haber hecho su creación perfecta.

Fotos de inauguraciòn y clausura Festival Apolo:

Festival Apolo

Fotos de Artes Escenícas en Festival Apolo:

Artes Escénicas en Festival Apolo

Fotos de Asociación Gerontológica en Festival Apolo:

Asociación Gerontológica en Festival

Libros de Oro en Festival Apolo

2011-02-07T13:31:00.000-08:00

Labor de César Gómez Rubí

La Red del Centro Histórico promueve la entrega de los libros de oro de don César Gómez Rubí, acreedor al Premio Carlos en la rama de Identidad y destacado artesano que elabora manualmente estas preseas en su taller de la Villa de Mixco. Las mismas contienen elementos típicos y/o estampados en oro y en algunos casos incluyen pinturas originales de gran valor estético y que enfocan parte de la identidad y el paisajismo nacional.

Dentro de los acreedores a los Libros de Oro figuran personalidades e instituciones tales como

Museo de la Universidad de San Carlos
Hemeroteca Nacional
Pia Palacios
Carmen Matute
Luz Mendez de la Vega
Margarita Carrera
Atala Valenzuela
Irina Darlee
Angelina Acuña
Diana Castellanos
Samantha Terry
María del Mar
Jorge Saavedra
Gladys Elizabeth Palala
Clara Luz Estrada
Marta Bolaños de Prado
Edda Raquel Cáceres
Lupe Girón Cáceres
Argentina Diaz Lozano
María del Tránsito Barrios (La Ninfa de Amatitlán)
César García Cáceres (Chalio Titipuches)
Julio César del Valle
Antonio Juárez
Luis Bernardo Lara
Augusto César Chupina
Luis Domingo Valladares
Carlos del Llano
Tito Romeo Asturias y Quevedo
Manuel Salazar Tesahuit (Ministro de Cultura)
Asociación de Mujeres Periodistas y Escritoras de Guatemala (AMPEG)
Marta Mena
Ana María Rodas
Mária Olga Lima
Anni Emperatriz Juárez
Museo Ixchel
Delia Quiñonez
Geraldina Baca Spross
David Augusto Melgar Bran
Thelma Castillo Jurado (Fundación G&T)
Eduardo Cuestas (Fundación G&T)
Marta Erazo
Justina de Salazar
Ana María Eskenasy
Anaite Salazar Padilla
Siang de Seidner
Carmen Mullet de Byrne
Liliana Murga Armas
Tania Palencia
Mayori Platt
Marta Pilón
Carmen Escribano de León
Carmen Rosa de León Escribano
María Teresa Rendón
Museo Casa Mima
Galeria de Arte El Tunel
Ingrid Klusmann (Pintora)
Palacio Nacional de la Cultura
Radio Panamericana
Edgar Gudiel Lemus
María del Carmen Escobar
Elenco del teatro La Gente del Palomar
Teatro de la Universidad Popular Manuel Galich
Ruben Morales Monroy
Norma de Solé
Lisbeth Moya Mendoza
Juanita Ibarborou
Carolina Escobar Sarti
Irene Piedrasanta
Ruth Piedrasanta
Brenda González (La Valeria)
Carolina Toledo Lemus
Silvia Tejeda de Jiménez
Teatro Abril - Luis Pedro Abril
Juan Arturo Pérez
Doctor Rafael Espada (Viceprecidente)
Coronel Jorge Ortega
Luci Aldaz
María Dolores de García
Sofia Elena Hernández Martínez (Secretaria Ministerio de Cultura)
Marco Tulio de la Roca TGW Chapinlandia
Cristina Altamira Lenoff (mezzosoprano)
Marina Cornejo de Finer
Luis Felipe Martínez
Mario Permuth
Bertita Ostroviak de Permuth
Rina Montalvo
Odilio de León Campos
Asociación Vicenta Laparra de la Cerda
Maria Eugenia Gordillo
Tasso Dajaidudu
Tania Zea
Mario Andrade y Centro Cultural El Encuentro
Por todos se han entregado casi un centenar de Libros de Oro. La Red ha aprovechado eventos trascendentales para el apoyo así como el programa de Radio Faro "Diálogos con Augusto César" que se transmite los sábados a las 17:30 horas.

Entrega Libros de Oro

Manuel Corleto

2011-02-07T13:04:00.000-08:00

I FESTIVAL APOLO DEDICADO A MANUEL CORLETO

SEMBLANZA DE MANUEL CORLETO
POR CESAR CHUPINA

Manuel Corleto, expresión máxima del cósmico
César Chupina

Fue Manuel Corleto quien me hizo quedarme en el mundo del Teatro. Descubrí sus libros en la Biblioteca de la ENAD. Al preguntarle al director de entonces quién era él, me dijo, producto de su celo profesional, no tenía ni idea.

Empecé a estudiar su obra. Lo contacté para hacerle un homenaje en Radio Faro. Mariabelem me escribió desde USA que sólo yo podría ser… nos hicimos amigos con Manuel, su esposa Patty. Los frecuentaba en su casa. Hasta desayunábamos juntos.

Manuel entonces ya había hecho historia en el teatro no sólo con sus texto de gran altura internacional sino que por sus propuestas de montaje en el que la introducción de elementos audiovisuales a la escena y hacer el primer desnudo son de su paternidad.

Empezó a incursionar en otros géneros. Entre ellos la televisión. E hizo la primera telenovela llamada Azul. Hacía también música y poesía. Hasta que decidió seguir los caminos de Jorge Luís Borges y crear híbridos. Por ellos sus obras de teatro parecen novelas y sus novelas parecen textos de teatro.

Incursionó en la narrativa cuando ya era multipremiado como dramaturgo y pasó lo mismo. Ganó muchos premios. E hizo escándalos como cuando fingió romper el cheque que contenía la cifra que había ganado al hacerse acreedor al primer lugar de un certamen de novela.

Y es que Manuel, si bien era escandaloso y le gustaban las protestas y decir lo que pensaba, la mayoría era puro teatro. Fue así como me propuso que nos peleáramos por la prensa para publicitar una su obra. Accedí. El elenco no lo sabía y se me echó encima pero se frenó al saberse haría el ridículo y enterarse que todo era planeado por su mismo director. El que no se frenó y del ridículo pasó a la agresión y al odio hasta que la muerte nos separó fue Mario Monteforte Toledo, autor de la obra… que por cierto ni vale la pena mencionar porque de todos es sabido que Monteforte de dramaturgo no tenía nada. Ni la mugre en las uñas de Corleto.

Así como me alegró la muerte Monteforte porque su odio hacia mí se murió con él, así lloré a Corleto no sólo porque éramos cuates sino porque con él desaparecía el actor, galán de cine y TV, dramaturgo, novelista, poeta, músico… bueno… además se nos fue joven. Y antes de morir decidimos dedicarle el Festival Apolo por todo lo que él representaba. Por ello en el programa pusimos una frase de él, de cuando joven, no quería inscribirse en las academias por tímido. Pidió a un amigo lo hiciera por él. Y empezó a estudiar en serio las Bellas Artes.

Eso es precisamente el Festival, un encuentro entre quienes quieren ver en serio el Arte y eso sólo se inicia estudiante. La primera edición de Apolo en Alianza Francesa dio frutos muy grandes. Se le dio allí el primer empujó a valores de todas las ramas que ahora han destacado muchísimo. Nombres ni para qué decir porque es cierto. Como lo es los émulos y chambres que han hecho otros disfrazados de festivales sólo para justificar el pisto que les viene de fuera y que no han sido más que estafas. Porque para tener éxito, el pisto es secundario. Importa tener agallas como las que tenía Manuel y sobretodo la humildad necesario para admitir que no es cosa de uno y por ello debe echar a quien odia o le cae mal sino cosa del cósmico por quien todo fue creado y por quien todo fue hecho y de quien personajes como Manuel son una de sus máximas expresiones.

Salud Manuel donde quiera que estés. Nos volveremos a ver… según las leyes cósmicas así será. Salúdanos a Apolo.

PROGRAMA DEL I FESTIVAL APOLO
DEDICADO A MANUEL CORLETO

Red del Centro Histórico, teléfono 53976777
www.centrohistoricoenguatemala.blogspot.com

en apoyo a la Red de Creadores
y a la Asociación de Escuelas de Bellas Artes

Presenta
I Festival Apolo de escuelas de Bellas Artes

Dedicado a MANUEL CORLETO en el marco del XI Festival del Centro Histórico

Museo del Ferrocarril
Plaza Barrios, zona 1, Ciudad de Guatemala.

``…yo era muy tímido… le dije a un amigo que me fuera a inscribir a la academia…”
Manuel Corleto.

CALENDARIO
DEL MARTES 12 AL DOMINGO 17 DE AGOSTO 2008
Museo del Ferrocarril
ADMISION POR EVENTO: Q5.00

MARTES 12
Inauguración y día de las Artes Plásticas.
10:00 horas, inauguración (escenario principal).
• Palabras de bienvenida a cargo del Lic. Rubén Larios, director del Museo del Ferrocarril.
• Palabras sobre el Festival del Centro Histórico y el festival Apolo a cargo de Juan Arturo Pérez de la Red del Centro Histórico.
• Semblanza de Manuel Corleto a cargo del periodista César Chupina de la Red del Centro Histórico.
• Inauguración a cargo del Lic. Fernando Erazo de la red de Creadores de Teatro.
• Inauguración de la exposición de Artes Plásticas de las Escuelas del Sindicato de Trabajadores de las Artes Plásticas, SINTAP a cargo del maestro Carlos Molina del SINTAP.

10:00 a 12:00 horas. Estatuas Vivientes a cargo de Saltinvankys (Plaza Barrios).
11:00 horas, Taller de Apreciación de las Artes Plásticas. Instructores: César Chupina, América Hernández y Gregorio Xuyá (salón de exposiciones o vagón). Análisis y encuentro con la obra del maestro Carlos Molina.

16:00 horas, Presentación de la obra de teatro para niños La Tacita de Plata de Solana-e (Teatren).

MIERCOLES 13: Día de la Danza y el Teatro
10:00 horas, Presentación de la obra de teatro para niños La Tacita de Plata de Solana-e (Teatren).

11:00 horas, Taller de Apreciación de la Danza y el Teatro. Instructores: César Chupina, América Hernández y Gregorio Xuyá. (salón de exposiciones o vagón). Acercamiento y encuentro con la obra del Lic. Fernando Erazo.

16:00 horas, Conferencia “Historia de la industrialización en Guatemala” a cargo de DIGI, USAC (evento gratuito).

Todo el día, Exposición de Artes Plásticas de la Escuela del SINTAP (salón de exposiciones).

JUEVES 14: Día de la Música.
10:00 horas, Presentación de Academia de Mario Gómez (escenario principal).

10:00 a 12:00 horas. Estatuas Vivientes a cargo de Saltinvankys (Plaza Barrios).
11:00 horas, Taller de Apreciación de la Música Instructores: César Chupina, América Hernández y Gregorio Xuyá (salón de exposiciones o vagón). Acercamiento y encuentro con la obra del maestro Mario Gómez.

16:00 horas, Presentación de Pop ópera del barítono Iker Reley en honor Manuel Ocampo, Silvia Tejeda y Carolina Toledo a quienes se les entrega los Libros de Oro de César Gómez Rubí a cargo de Antonio Juárez y Mayra Garzaro de Radio Faro y Revista Vida Diplomática respectivamente. (Teatren).

Todo el día, Exposición de Artes Plásticas de la Escuela del SINTAP (salón de exposiciones).

SABADO 16: Día de la Fraternidad
10:00 horas, Sesión de Asociación de Escuelas de Bellas Artes (escenario principal)a cargo del Lic. Fernando Erazo.

10:00 a 12:00 horas. Estatuas Vivientes a cargo de Saltinvankys (Plaza Barrios).
16:00 horas, Presentación de la obra Romeo y la Teta deL grupo Tenemos Hambre de la Escuela de Ciencias Económicas de la USAC (Teatren).

Todo el día, Recreación de la Feria de Jocotenango (escenario principal). Exposición de Artes Plásticas de la Escuela del SINTAP (salón de exposiciones).

DOMINGO 17: Clausura
17:00 horas,. Reestreno de la obra Zapatos pal Presidente de Grupo Escuela Facetas (Teatren). Esta obra permanecerá em temporada em este espacio durante un mes más.

18:00 hrs. Clausura (Teatren)
• Palabras del Lic. Edwin Navas evocando a Manuel Corleto a cuya memoria se realizó el festival.
• Palabras del maestro Luís López de Saltinvankys a nombre de todos los participantes en el Festival.
• Palabras finales a cargo del periodista César Chupina de las Redes del Centro Histórico y de Creadores.

Todo el día, Exposición de Artes Plásticas de la Escuela del SINTAP (salón de exposiciones Esta exposición permanecerá expuesta 15 días más.

SEMBLANZA DE MANUEL CORLETO
POR EDWIN NAVAS

Manuel Corleto en la eternidad
Lic. Edwin Navas

Fue una noche de febrero cuando vi a Paty Orantes acariciar la cola de su esposo Manuel Corleto. Ellos no me vieron, pues yo estaba atrás y por decisión propia no los saludé. Esa noche pensé en el gran amor que Paty le profesaba a Manuel. Y me alegré mucho de ver que dos teatristas se manifestaran amor, en medio de una actividad que había convocado UNICEF, en el parque central. Creo que los acompañaba uno de sus hijos, de eso no estoy seguro. Lo que sè es que esta pareja de teatristas, quienes presumo llevaban màs de 25 años de convivir, procrearon a dos talentos artísticos de la música. Y eso es parte del legado que nos deja Manuel: sus obras de Teatro, sus dibujos, sus magnificas representaciones y su familia.

Y es que a Manuel lo recuerdo cuando la Dirección General de Bellas Artes montó la obra "Julio César". Su actuación fue brillante. Pero él brillaba además por ser un buen compañero. Yo, al igual que varios jóvenes, formaba parte del "coro" (los del pueblo) y Manuel siendo un gran dramaturgo y actor, siempre nos trató como un compañero más. Es que era un verdadero artista y siempre lo demostró en ese montaje: fue un compañero que bromeaba y se juntaba con "los del pueblo".

Tuve la oportunidad de que me escribiera un par de líneas, en la primera hoja de un libro que recoge tres de sus obras de teatro. El cual he conservado desde hace más de 20 años, por lo que ahí escribió y porque a la fecha creo que fue sincero al escribirlo. Solamente leí una obra de él, que me pareció casi imposible de montar en este país, pues siempre trabajó el Teatro del Absurdo, las otras dos están pendientes.

Creo firmemente que Guatemala, ha perdido a un gran artista. De esos pocos que han pisado esta tierra de maíz, pues para serlo se necesita pasión, entrega, creatividad y sobre todo humanismo, cuatro conceptos que nunca le faltaron a Manuel Corleto. Por eso esta tarde de domingo, cuando me informaron de su deceso no dejé de consternarme y entristecerme, ya que aunque platicamos pocas veces siempre fue agradable, además porque estoy plenamente convencido de que el arte guatemalteco ha perdido a uno de sus más grandes exponentes. Poco reconocido por algunos, pero que sin duda para aquellos que lo conocimos y compartimos nos hará mucha falta.

Un clavel en la tumba, un fuerte abrazo para Paty y sus hijos, y un llamado a los teatristas jóvenes para que no dejen de enviarle un aplauso al gran maestro Manuel Corleto.

Fotos de inauguraciòn y clausura Festival Apolo:

Festival Apolo

Fotos de Artes Escenícas en Festival Apolo:

Artes Escénicas en Festival Apolo

Fotos de Asociación Gerontológica en Festival Apolo:

Asociación Gerontológica en Festival

¿Cuánto calzamos?

2011-02-07T12:44:00.000-08:00

Obra de Facetas

POR CESAR CHUPINA. Aquí en vez de decir “al que le venga el guante, se lo plante” sería bueno decir “al que le venga el zapato…”. Y es que cuando hablamos de la fauna presidencial latinoamericana, hablamos de zapatos grandes y no precisamente porque estos mandatarios sean patudos sino porque deben ser los hombres que con su ejemplo dejen la huella más grande en su paso en este mundo. Pues, aunque piensen algunos lo contrario, ha habido épocas en que así ha sido y nuestros países han tenido gente muy digna dirigiendo sus destinos.

Fernando Erazo en Zapatos pa´l Presidente se involucra en la metáfora tan de moda en el Arte Dramático latinoamericano que toma como elementos a figuras de poder como un Presidente –abuso de poder- y el basurero –la sociedad- en el que todos vivimos alienados, amargados y en este caso, sin decir nada, en silencio ante ese abuso. Metáfora que nace con José Mármol, en Amalia, se solidifica con Asturias en El Señor Presidente y llega al drama con impactantes textos en ámbitos como Venezuela, Chile y Nicaragua y El Salvador, entre otros. Ya era hora que en Guatemala alguien lo hiciera.

El montaje, impresionante. Nos da actuaciones verdaderamente teatrales, todas de alto nivel interpretativo y profesional. Sigue en cuanto al hacer, la línea a la que nos tiene acostumbrado Erazo y su grupo escuela Facetas, hija, sin duda ni discusión, de una de las formas de hacer teatro en Guatemala, como lo es la de la Universidad Popular con el “monstruo” de Rubén Morales Monroy (QEPD) a la cabeza. Insuperable hasta la fecha.

Pero esta vez, Erazo también nos brinda cosas nuevas. El movimiento coreográfico, cuasi grotesco (hablo del estilo y no utilizo el término peyorativamente. Lo aclaro por aquellos ignorantes y chismógrafos que llegaron a decir que Edwin Navas habló horrores del montaje cuando dijo que se circunscribía teatro pobre, sin recursos…) vuelve un ballet interesante algunas partes de la obra. Me parece, en este orden de ideas, que el traje de la niña, no debió ser tan españolizado porque connota una especie de arcaísmo ya que obviamente la mente se va a la madre patria al verla.

La integración de signos, de primera calidad. Todo bien cuidado… con un cuidado que raya en lo neurótico… pero que ha hecho de Erazo y Facetas colocarse en el sitio que lo ha hecho y gozar del recogimiento internacional que tiene así como de la simpatía de propios y extraños.

Tímidamente, este trabajo involucra al público metiéndolo con el signo decorado dentro de la trama. Cualquiera pensaría hablarían con los espectadores pero sólo pasan entre ellos en un vestigio del teatro de la crueldad y/o surrealista. Muchos símbolos corroboran dicho involucramiento. Tal el caso de los zopilotes sobre el árbol negro que se proyecta en el ciclorama y, aunque de otra manera está presente en una de las paredes del lugar del público. También la celebración de los 15 años de la muda que no es muda. Esto también. Y no digamos los mismos zapatos… enormes… como de payaso… y es que al ver la actuación de nuestras autoridades a veces pensamos estamos ante un circo de los más gachos.

Por supuesto que la obra no es panfletaria. No menciona nombres, direcciones ni teléfonos. No apunta con el dedo a ningún partido político porque al que le venga el guante (los zapatos en este caso) debe plantárselo… y esto va para todos los gobernantes de todos los tiempos y espacios. Por ello, Fernando y su elenco presentan esto de manera universal…

Como parte de la Cenicienta social me gustaría probarme esos zapatitos… tal vez me quedan y… ¿Y a usted lector (a)?

FICHA TECNICA:
ZAPATOS PAL PRESIDENTE

ESCUELA O GRUPO:
Facetas.

AUTOR Y DIRECTOR:
Fernando Erazo, psicólogo y teatrista de reconocimiento internacional, acreedor de varios galardones.

ELENCO:
Selvin Monroy
Verónica Cornejo
Marisabel Rodríguez
César Car
Lucía Álvarez
Manolo Mijangos
Tirsa Barán
David Valle

TIPO DE MONTAJE:
Minimalista. Con elementos grotescos y de teatro pobre.

CLASE:
Crítica social.

TEMA:
Abuso de poder.

SINTESIS:
En un basurero viven todos los personajes y se enteran que llegará el Presidente a una visita. Lo esperan varias veces y sólo lo ven pasar en su limosina. Parte de las preocupaciones de los personajes es regalarle un par de zapatos para que sienta cómodo…
MENSAJE:
No debemos callarnos.

Fotos de Facetas en Festival Apolo:

Facetas en Festival Apolo

La historia de siempre pero…

2011-02-07T12:40:00.000-08:00

Basada en Romeo y Julieta

POR CESAR CHUPINA. Interesante. Cuando hablamos de universalidad de temas siempre nos salen los mismos. Shakespeare, uno de ellos. y romero y Julieta, de los mejores ejemplos. Lo hemos visto hasta en Chespirito. Y el teatro guatemalteco, rico en expresiones más de lo que sus detractores aceptan, no es la excepción.

En el Festival Apolo participó la Escuela de Ciencias Económicas de la USAC con Romeo y la Teta, basado en el Romeo y Julieta de Shakespeare. Dejan a un lado el diálogo shakesperiano y usan el guatemalteco porque, obviamente, su público es popular como lo es el de la Huelga de Dolores en cuyo marco se circunscribe. Y aquí viene el primer comentario: Buena adaptación en cuanto a lenguaje se refiere dentro del contexto en el que están acostumbrados desenvolverse pero un poco excesiva de lo que denominamos “malas palabras” para otro tipo de públicos. Así que el primer consejo es: Si quieren ampliarse espacio, moderen el léxico…

Veinte años cumple este grupo. Varias son las generaciones que lo han integrado. Y desde sus inicios se transmiten en una especie de tradición oral los papeles y las obras. La mayoría de las veces, sus textos, propios o adaptados como en este caso, son simples pretextos para lo que verdaderamente se proponen: Hacer que el público reaccione y reflexiones ante su problemática.

Como expertos en las Ciencias Económicas estos muchachos dan énfasis en la crisis económica del país y señalan a las autoridades –económicas, políticas y civiles- como responsables de las mismas. He allí porque Capuleto, el padre de Teta, que se opone a que su hija se relacione con Romeo, símbolo de las clases oprimidas, se apellide nada más y nada menos que Arzú.

Espontaneidad, sentido del humor y una gran hermandad entre sus integrantes son de las cosas que se perciben al estar en contacto con Tenemos Hambre, quienes no se contentan sólo con hacer teatro sino que piensan siempre en ayudar al prójimo repartiendo juguetes, ayudando a los pobres y presentando sus obras de manera ad honorem donde requieran su presencia.

Con un gran éxito en las comunidades del interior de la República donde se presentan, los integrantes de este elenco son muy talentosos. Su capacidad histriónica la envidiaría cualquier actor profesional y el resultado en conjunto, cualquier director. Pero como también se vale en un artículo como este mencionar lo que a uno le gusta, aplaudo muchísimo la capacidad histriónica de quienes interpretan los personajes de la Monja, el trío que llevan serenata a Teta –sobretodo el cantante- y el señor Capuleto Arzú, este último poseedor de un gran talento actoral y direccional, increíbles.

Si bien es cierto, Esbyn, intérprete de Capuleto Arzú, no funge como director escénico, su experiencia, al ser el más antiguo en la agrupación, lo hace tener la batuta de esta orquesta de dirección y creación colectiva y haber desarrollado su voz como todo un locutor. Felicitaciones de nuevo.

A como hemos evaluado el I Festival Apolo, me he atrevido a sugerir a este grupo que el próximo año nos presenten la Resurrección de la Chabela, rito huelguero

FICHA TECNICA:
ROMEO Y LA TETA

ESCUELA O GRUPO:
Tenemos Hambre de la Escuela de Ciencias Económicas de la USAC.

AUTOR Y DIRECTOR:
Colectivo. Basada en Romeo y Julieta de Shakespeare.

ELENCO:
Antonio Navas
Erick Hernández
Esbyn Pérez
Monica Coi
Monica Pretzancin
Omar Monterroso
Oscar Sandoval
Sandra Mejía
Víctor Oliva

TIPO DE MONTAJE:
Convencional.

CLASE:
Comedia bufa universitaria de protesta social.

TEMA:
La lucha entre ricos y pobres.

SINTESIS:
Romeo y Teta se aman. Pero encuentran oposición en la familia de ella que antepone los prejuicios sociales. El simboliza las clases oprimidas y ella, las clases opresoras que no pueden juntarse para hacer el mundo más feliz.

MENSAJE:
El amor, natural y humano, triunfa sobre cualquier elemento de la lucha de clases.

Fotos de Tenemos Hambre en Festival Apolo:

Tenemos Hambre en Festival Apolo

Hugo Fernando Erazo España

2011-02-07T12:23:00.000-08:00

CURRICULUM VITAE DE FERNANDO ERAZO

Actor y Director de Teatro, Profesor y Licenciado en Psicología
Más conocido en el medio artístico y profesional como Fernando Erazo.
Nace en la ciudad de Guatemala el 04 de agosto de 1967, hijo del músico filarmónico salvadoreño Julio Erazo y de Raquel España Flores de Erazo, originaria de la Ciudad de Chiquimula.
Entre 1974 y 1979 estudia la educación primaria en la Escuela Estados Unidos de América y la Escuela Veinticinco de Junio. De 1980 a 1982 el ciclo de educación básica en el Instituto Tecún Umán y de 1983 a 1985 el diversificado en la Escuela de Ciencias Comerciales Jornada Vespertina, dónde obtiene el título de Perito Contador.
Ingresa a la Universidad de San Carlos de Guatemala, donde cierra pensum de Profesorado en Psicología y obtiene el Título de Licenciado en Psicología en 1994. En 2004 cursa el Diplomado en Locución y Conducción de Televisión, en la Escuela de Ciencias de la Comunicación de la USAC.
Incursiona en el mundo del teatro en 1982, a los 14 años de edad, desarrollando actividades artísticas y culturales con la Hermandad de la Iglesia de Santa Ana, en la Zona 5 de la Ciudad de Guatemala. En 1984 ingresa a la Academia de Arte Dramático de la Universidad Popular, en donde cursa el primer año de teatro; interrumpe temporalmente y mientras tanto, recibe talleres de dirección escénica con el Actor Jorge Rojas, en las Muestras de Teatro Departamental Norma Padilla de Rabinal y Chiquimula.
En 1992 vuelve a estudiar con el Maestro Rubén Morales Monroy, en la Academia de Arte Dramático de la Universidad Popular, graduándose en 1995 como actor profesional de teatro. En 1991 recibe el taller de actuación intensiva impartido por la Primera Actriz Zoila Portillo, en el Teatro de Arte Universitario (TAU) de la Universidad de San Carlos de Guatemala. En 1993 con el Actor Francés Jean Ives Peñafiel y el taller de Gestión y Animación Socio Cultural con el Venezolano Simón Loyo, en la XVII Muestra Nacional de Teatro Departamental Norma Padilla.
Su experiencia laboral inicia como encuestador en la Asociación Guatemalteca de Educación Sexual en 1986; posteriormente en Recursos Humanos de la Oficina Nacional de Servicio Civil (1989 – 94) En Servicios Generales del INTECAP como facilitador de eventos de capacitación (1995) y en clínica particular de Psicología (1995-97) En el Ministerio de Educación como Orientador y Facilitador del Programa de Educación Cívica y Valores, (1998-99) Tiempo en el que también laboró como catedrático de Psicología y Psicopedagogía en la Escuela de Profesores de Enseñanza Media (EFPEM) de la USAC. En el Ministerio de Salud Pública desempeña desde 2001 a la fecha, el cargo de Consultor de Capacitación por contrato; en el componente de Extensión de Cobertura a nivel comunitario, en donde está a cargo de capacitación y elaboración de material educativo. Uno de los productos es el Manual de la Educadora Comunitaria en Salud y Nutrición, elaborado con el apoyo de USAID/Calidad en Salud. Asimismo, a partir de 2006 a la fecha, labora como docente de Técnica Teatral y Psicología de la Actuación en la Academia de Arte Dramático de la Universidad Popular Jornada Nocturna y los fines de semana es Maestro - Director del Taller Permanente de Actuación y Teatro del Grupo - Escuela Teatro Arte Facetas de Guatemala, el cual funda en 1989.
La actividad laboral es compartida desde 1982 a la fecha, con actividades como Actor de Teatro, Director, Dramaturgo, Productor, Promotor y Maestro de Teatro. En Guatemala ha participado en diferentes montajes y escenarios, bajo la dirección de destacados directores de la escena guatemalteca, maestros: Rubén Morales Monroy, Zoila Portillo, Haroldo Vallejo, Xavier Pacheco, Jorge Rojas, Abigail Ramírez y Edgar Hernández, entre otros. En actuación ha compartiendo escena con figuras como: María Teresa Martínez, Rodolfo Mejía Morales, Ana María Iriarte, Haroldo Vallejo, Eva Ninfa Mejía, Carlos Izquierdo, Mercedes Arrivillaga, Yolanda Coronado, Magali Letona, Mario Abal y Erika Urízar, entre otros distinguidos actores y actrices.
En el campo televisivo, actuó en “El Brindis del Bohemio” transmitido por los canales 3 y 7 de TV. y en el anuncio de Azúcar Caña Real. También en Radio teatro, en la obra Edipo Rey grabada en TGW en 2003, bajo la dirección de la actriz María Alejandra Solórzano. También ha actuado con su agrupación teatral en eventos promocionales en locución (FUNDES) y actuación (Multiperfiles) Su obra: “Rompiendo el Silencio” fue grabada en video para ser utilizado como material educativo por la Organización Internacional Consejo de Población. En Cine, la película “Home By Six” del Director Joseph Profit (2007)
En la esfera Internacional ha participado como director, en la Gira de Teatro Popular sobre Derechos Humanos en San José de Costa Rica y Managua, Nicaragua (1996), I y II Festival Centroamericano de Teatro Juvenil contra el SIDA San Pedro Sula y Siguatepeque, Honduras (1997-98) Universidad Autónoma de Chiapas, México (2001) XXVI, XXVII, XXVIII y XXXII Festival Internacional de la Cultura en Tunja. Boyacá, Colombia (1998 -2004)
En la esfera nacional, ha participado entre 1987 y 1994 en el IX, XI, XIV y XV, Festival de Teatro en los Barrios, II y III Festival Apolo de El Epidauro y Alianza Francesa, Muestra Nacional de Teatro Departamental Norma Padilla en Rabinal, Chiquimula y Antigua Guatemala; XVIII Festival Nacional de estudiantinas y Arte Popular.
De 1995 a 1999 en el I Festival de Teatro ACSA, Quetzaltenango, I y II Certamen Nacional de Teatro Sobre Derechos Humanos, Minugua, CEAR, UNESCO y Unión Europea, I Festival Centavo de Oro del Centro Fray Bartolomé de las Casas, II Feria de la Paz y la Cultura, “Cultufer 97” del Ministerio de Cultura y Deportes, I Festival de Teatro del programa Domingos Recreativos y Familiares del Mapa en Relieve, LXXV Aniversario de fundación Bodas de Diamante de la Universidad Popular de Guatemala (1998)
De 1998 a 2006 en las diferentes ediciones del Festival del Centro Histórico, I y II Encuentro de Escuelas, Talleres y Academias de Teatro, I Festival de Arte y Cultura UP, 80 aniversario de la UP, II Encuentro Mesoamericano de Arte y Cultura / XXX Aniversario del Centro Cultural Universitario.
De 1995 a 2008 en temporadas de teatro de fin de semana, en escenarios como: el Centro Cultural Universitario (USAC), Sala del TAU, Instituto de Cultura Hispánica, Teatro Manuel Galich de la Universidad Popular, Teatro de Bellas Artes y Teatro de Cámara del Centro Cultural Miguel Ángel Asturias.
Asimismo, ha escrito más de 15 obras de teatro, entre ellas: “El Viajero”, “¿Y Mañana Qué?”, “Los Primitivos”, “Con la Ley en la Mano”, “Más Allá del Acto”, “Háblame de Sex”, “Amor y Guerra” ,“Yo Soy Macho”, “Aventura Espacial”, “Tiro de Gracia”, “Rompiendo el Silencio”, “Zapatos pa´l Presidente”, “Armonía de Colores”, “Regalito de Navidad”, “La Buena Vida” y “La Fiesta”. Ha dirigido múltiples obras, entre ellas: “Tu Ley o mi Ley” Creación Colectiva Grupo Albom ´87 (1987) “Juego de Cascaritas y Cascarones de Hugo Carrillo (1989) “Entre Cuatro Paredes” de Manuel Galich (1990) “Europa Plus” de Julio Díaz Escamilla (2002-03)” En la Boca del Lobo” de Pedro Matta (2003) “Un Hombre Compartido” de Julio Díaz Escamilla (2003) “La Gente del Palomar” de María del Carmen Escobar (2006-07)
Como actor ha participado en múltiples montajes, entre ellos: “Entre Cuatro Paredes” de Manuel Galich, -Gonzalo- (1984) “El Curso de Amor” de A.R. Curney –Mike-(1986) “Tu Ley o mi Ley” de Grupo Albom ´87 – Mendigo, sacerdote- (1987) “Juego de Cascaritas y Cascarones” de Hugo Carrillo –Pregonero y otros- (1989) “Cenofonte Chirimuya” de Héctor Piccon –Cenofonte- (1991) “El Viajero” de Fernando Erazo –Viajero- (1992) “La Señorita de Trevélez” de Carlos Arniches –Gonzalo de Trevélez- (1992) “El Fabricante de Deudas” de Sebastián Salazar Bondy –Francisco Obeso- (1993) “El General Otte” de Alvaro Contreras Vélez, adaptación de Carlos Catania –Lucio Alcántara y otros- (1993) “Frente al Palacio Nacional” de William Lemus –Arzobispo y otros- (1993) “El Pescado Indigesto” de Manuel Galich –Joyero- (1993) “Pascual Abah” de Manuel Galich –Pascual Abah- (1994) “La Chenta” de Enrique Wyld –Francisco González- (1994-2002) “Relajos Matrimoniales” de Jacinto Capella y José de Lucio –Teodoro- (1995) “La Zorra y las Uvas” de Guilherme Figueiredo –Agnostos- (1997) “Tiro de Gracia” de Fernando Erazo –Marcos Loza- (2001)
Ha recibido plaquetas y reconocimientos en el ámbito internacional, entre ellos: Carta de agradecimiento por labor educativa y artística con tema de Derechos Humanos, extendido por la Defensoría de los Habitantes de Costa Rica. Grupo Seleccionado entre 125 países para participar en el XXVI Festival Internacional de la Cultura en Boyacá, Colombia. Diploma del Comité Internacional de la Cruz Roja Delegación Regional para América Central México y el Caribe por la difusión del Derecho Internacional Humanitario a través del Teatro en Guatemala. Plaqueta de la Universidad Autónoma de Chiapas, México, por Aportación Cultural con la obra “Tiro de Gracia”. Diploma del H. Ayuntamiento constitucional y Dif. Municipal de Huixtla, Chiapas, México, por actuación en la obra: “La Caperucita Roja”. Diploma de Honor al Mérito, Municipalidad de San Pedro Sula, y COMVIDA Honduras, Plaqueta de reconocimiento, Primer lugar mejor guión y Segundo Lugar mejor Dirección; Primero y Segundo lugar mejores actrices del I Festival Centroamericano de Teatro Juvenil contra el SIDA. Plaqueta de reconocimiento por aporte y enaltecer la educación y cultura Centroamericana, extendida por la Escuela Nacional de Ciencias Forestales ESNACIFOR, Siguatepeque Honduras.
En el ámbito nacional, ha recibido múltiples reconocimientos, entre ellos: Diploma Primer lugar en el XV Festival de Teatro de Aficionados en los Barrios (1993) Reconocimiento por participar en la celebración del XLII aniversario del Benemérito Cuerpo de Bomberos Voluntarios (1994) Diploma y Medalla de primer Lugar en el I Certamen Nacional de teatro popular sobre Derechos Humanos y diploma “Mejor Director” (1994) Diploma y Medalla Segundo Lugar en el II Certamen Nacional de Teatro Sobre Derechos Humanos (1995) Ambos por parte de Unión Europea, MINUGUA, CEAR UNESCO y Procuraduría de los Derechos Humanos (1995). Nominado a los Premios MUNI a la Excelencia Teatral en la rama de Mejor Música Original (musicalización) de su obra: “Con la ley en la Mano” (1998) Diploma de participación en el Taller sobre Proyección de la Universidad en el marco del VII Foro Inter-universitario sobre Modernización de la Universidad en representación de la Universidad Popular, extendido por la USAC, URL, UMG, UV, UFM y Academia de Ciencias (1997) Diploma de Honor al Mérito por taller de Educación en Valores Dirección de la Escuela Oficial Urbana Mixta No.597 Jornada Vespertina Villalobos I.(1998) Diploma por apoyar al grupo de teatro de promotores en salud del Distrito de Salud Bethania Zona 7. (2001) Carta de reconocimiento por parte del Ministerio de Salud Pública por colaborar en la celebración del Día Mundial de la Alimentación, (2003) Diploma de reconocimiento por destacada labor y colaboración en el trabajo desarrollado como miembro del grupo técnico Coordinador a favor de la Salud Materno Neonatal de Guatemala. Diploma por valioso apoyo técnico y profesional, mística de trabajo, entrega y dedicación en Extensión de Cobertura del Ministerio de Salud Pública (2003) Participación en Seguimiento a Políticas Culturales y Deportivas del Ministerio de Cultura y Deportes (2002-03)
Adicionalmente tiene el mérito de haber fundado los grupos de teatro Albom ´87, Estrellas Aquechistas (1998) y Teatro Arte Facetas de Guatemala (1989) y formar desde esa plataforma, nuevos actores y actrices.

La Tacita de Plata

2011-02-07T12:04:00.000-08:00

Obra de Augusto César

POR RAFAEL MERIDA. El domingo 10 de agosto de este año 2008, nos gozamos de una experiencia muy agradable. Recibimos la invitación del dramaturgo Augusto César Chupina Melgar, para asistir a una obra teatral. El famoso “Museo del Ferrocarril” sirvió de cobijo y escenario para las actividades. Ubicado en el centro histórico de la ciudad, y es considerado el edificio en donde se ubico la primera estación de ferrocarril de la ciudad capital.
“La tacita de Plata”

Diálogos de teatro de Augusto César, Poeta del Mundo, con la participación extraordinaria de la actriz América Hernández, en el personaje de Taci; y el sobresaliente actor: Gregorio Xuyá, con el personaje de “Doble” –sucio y limpio-.

Esta obra nos relata la situación social dirigido hacia la urbanidad –la limpieza- desde una perspectiva natural y a la vez poco usual en el ámbito teatral, es decir, por su fina mezcla de comedia matizados en un ambiente irreal, el cual es enmarcado de manera de dialogo utilizando cuidadosamente los conceptos de este tipo de teatro.

La obra gira en torno a diferentes situaciones; entre las que resaltan, inminente, el esfuerzo que “Taci” procurara para mantener la limpieza, y la decadencia del “Doble”, que con sus dos personalidades hace reír al numeroso grupo de niños y adultos, así como la picardía y la gracia del conflicto entre sí mismo, ya que por un lado él es una persona limpia pero su otro yo es sucio, que se torna en el centro de atención durante la mayor parte de la obra, En donde nos inculca y recuerda que el teatro es un arma para con la Urbanidad.

Quienes organizan este evento que promueve el arte en sus distintas ramas bajo el lema “La Tacita de Plata”. Es muy cierta e importante la necesidad de inculcar a los pequeños en el arte y motivar su atención al teatro, oportunidad porque no es lo mismo leer la obra o verla por televisión, que vivir la emoción de los infantes cuando hablan con los actores, me pareció una obra de teatro muy bella y muy propia tanto en personajes, temática y diálogos.

Ya tenía mucho tiempo de no escribir algo acerca o relacionado al Teatro. Por todo ello le doy gracias a Dios: el Señor les ha dado grandes dones artísticos y Augusto César, ha sabido ponerlas al servicio del pueblo y especialmente de las mayorías niños.

Felicitaciones a las personas que desarrollan estas actividades ya que con su impulso están cosechando valores en los chicos, para que de esta manera pongan más interés en mantener limpia, no solamente a su persona, sino a su hogar y a la ciudad…

Y esto solamente fue como una coincidencia o preludio para a eventos del “Primer Festival Apolo”, que en poyo a la Red de Creadores y a la Asociación de Escuelas de Bellas Artes que la Red del Centro Histórico, presentó como un homenaje dedicado a MANUEL CORLETO en su programa a desarrollarse en el “Museo del Ferrocarril”.

FICHA TECNICA:
LA TACITA DE PLATA

ESCUELA O GRUPO:
Soluna – e.

AUTOR Y DIRECTOR:
César Chupina, embajador cultural de la Paz, creador de redes, premio artista del año en la rama teatro y premio latinoamericano en teatro para niños.

ELENCO:
América Hernández
Gregorio Xuyá

TIPO DE MONTAJE:
Minimalista. Cámara negra.

CLASE:
Educativo, todo público, niños.

TEMA:
La Limpieza.

SINTESIS:
Taci huye de Doble porque este tiene doble personalidad. En una es muy sucio y en la otra muy limpio. La convence, con ayuda del público, que la mejor forma de ser es ser limpio y que la limpieza compete a todos. Hemos tratado al planeta como si no tuviera alma y debe importarnos la limpieza para vivir mejor.

MENSAJE:
La limpieza nos compete a todos. Es cuestión de tener una actitud de respeto hacia uno mismo y hacia los demás.

Fotos de Soluna-e en Festival Apolo:

Soluna-e en Festival Apolo

Publicaciones interesantes

2008-08-23T09:48:00.000-07:00

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SINTAP en Festival Apolo

2008-08-22T11:58:00.000-07:00

Exposiciones

EXPOSICION DE SINTAP EN I FESTIVAL APOLO
El día de las Artes Plásticas, inauguró la exposición colectiva de las escuelas de SINTAP, muchos de ellos niños que a su corta edad muestran un asombroso talento.

Expositores:
1. Silvia Canel
2. Nancy Orozco
3. Casimiro Costal
4. Gloria Hernández
5. Elda Salguero
6. Clamen de Santizo
7. Elda Hernández
8. Brenda López
9. Josué Dubón
10. Assuán del Cid
11. Alba Zea
12. Margarita Lara
13. Maritza Aragón
14. Rubí Méndez
15. Gloria Quiroa
16. José Luís Salazar
17. Elenita Rosales
18. Mercy Albizurez
19. Daniel Anleu
20. Ana Peña

EXPOSICION DE SINTAP EN II FESTIVAL APOLO
En el II Festival Apolo, el SINTAP presentó sus obras de una manera original. Lo hizo dentro de un vagón en el que se combinó la belleza de la reliquia del Museo con la estética de los cuadros, lo cual era una aventura al pasado y al mundo de las musas para quienes llegaban a las actividades del Festival.

Album de SINTAP en Festival Apolo:

SINTAP en Festival Apolo

Carlos Molina

2008-08-22T11:54:00.000-07:00

CURRICULUM VITAE DE CARLOS MOLINA

Nombre artístico: CARLOS MOLINA
Profesión: Promotor Cultural y Artista
Nacionalidad: Guatemalteco por nacimiento
Dirección: Avenida Elena 16-51, Zona 1
e-mail: sinttapp@yahoo.com

ESTUDIOS REALIZADOS
Licenciatura en Arte, Departamento de Arte, Facultad de Humanidades, Universidad de San Carlos, actualmente cursante del 11º semestre.
Licenciatura en Ciencias de la Comunicación, Escuela de Ciencias de la Comunicación, Universidad de San Carlos.
Licenciatura en Arquitectura, Facultad de Arquitectura, Universidad de San Carlos.
Maestro de Arte Especializado en Teatro, Instituto Nacional de Bellas Artes.

OTROS ESTUDIOS
Dibujo y pintura infantil (diversos maestros).
Escuela Nacional de Artes Plásticas ENAP.
Instituto Nacional de Bellas Artes INBA.
Universidad Popular de Guatemala.
Academia de Arte Dramático.
Centro Cultural de Castella San José Costa de Rica.
Regional de Arte Grafico San José de Costa Rica, Auspiciado por O.E.A.
Regional de Grabado San José de Costa Rica, Auspiciado por O.E.A.
Universita Per Stranieri de Perugia.
Instituto Italo Americano di Roma AC Pietro Vanucci.
Impresión de valores con medidas de seguridad Carvajal, Cali

EXPERIENCIA DOCENTE
La Academia, Escuela de Arte.
Tecnológico de Cartago.
Instituto de Educación Básica de AEU.
Colegio Educativo Integral.
Cátedras de dibujo, pintura, cerámica, modelado escultórico para infantes.
Colegio Casa de Todos.
Cerámicas L´America.
Cerámica Jardín.
Cerámica Lyon.
Facultad de Arquitectura.
Escuela de Vacaciones Facultad de Humanidades y Escuela de Ciencias de la Comunicación.
Talleres sabatinos Escuela de Ciencias de la Comunicación.

CARGOS VINCULANTES AL DESARROLLO SOCIAL DEL MOVIMIENTO ARTISTICO GUATEMALTECO
Secretario Junta Directiva Asociación Nacional de Actores y Técnicos de Guatemala.
Director del Instituto de Previsión Social del Artista Guatemalteco IPSA.
Creador y fundador de SINTAP (Gran colectivo de Artistas de la Plástica integrado por Sindicato, Cooperativa, Gremial y Academia) realizando a la fecha 97 exposiciones colectivas a nivel nacional en variadas galerías.
Museos, Centros Culturales y unidades académicas e incluso en el edificio de Rectoría de USAC.
Secretario del Comité Pro Conmemoración del Día del Artista Nacional.

EXPOSICIONES PICTORICAS
1. Guatemala
2. El Salvador
3. Nicaragua
4. Costa Rica
5. Puerto Rico
6. Bélgica
7. Francia
8. Italia
9. España
10. Usa
11. Colombia, entre algunos.

Coordinador y expositor en más de 100 exposiciones colectivas, en donde se incluyen homenajes a los artistas
María Elena Curruchiche
Paula Nicho
Rina Lazo
Eugenia Beltranena
Andrés Curruchich Cumes
Francisco Román Telón Chalí
Santiago Tuctuc Apen
Vicente Curruchiche Telón
Feliciano Bal Calí
Julián Chex Chirix
Esteban Xocop Bal
Salvador Cumez Curruchiche
Salvador Simon Cumez
Iván Gabriel Samol
Ernesto Boesche
Rafael Ayala
Oscar Barrientos
Juan De Dios González
Roberto De León
Roberto Lamas “Tico Tico”
Rene Figueroa
Alejandro Urrutia
Arnoldo Ramírez Amaya

EXPOSICIONES FOTOGRAFICAS
1. Certamen Cervecería Centroamericana
2. Procuraduría General de la Nación
3. Mery Land Washington USA

OBRAS LITERARIAS
1. Códigos de Comunicación Visual
2. Diccionario Técnico del Comunicador Grafico y Conexos
3. La Holografía y su aplicación en el Arte Grafico
4. Imagen corporativa
5. La Reforma Agraria y sus repercusiones (Ensayo Analítico)
6. Historia Cronológica de la Fotografía
7. Cuento para escenificar ante niños
8. Libretos para teatro y comparsas para la Huelga de Dolores

RECONOCIMIENTOS
1. Por apoyo a los Artistas Mayas de Comalapa
2. 1er. Puesto CONCURSO DE PINTURA Municipalidad de Guatemala (1972)
1er. Puesto CONCURSO

Mario Gómez

2008-08-22T11:19:00.001-07:00

CURRICULUM VITAE DE MARIO GOMEZ

I. DATOS GENERALES:
NOMBRE COMPLETO: Mario Rolando Gómez Martínez
NACIONALIDAD: Guatemalteca
PROFESIÓN: Periodista Profesional
Maestro de Educación Primaria Urbana
Maestro de Educación Musical
FECHA DE NACIMIENTO: 12 de Septiembre de 1954.
E-MAILS: press@guatemala.mfa.gov.il
mrgomez@guate.net.gt
mrgomez129@hotmail.com

II. ESTUDIOS REALIZADOS:
1960-1969 Educación Pre-Primaria, Primaria y Básicos: Diferentes Colegios y Escuelas.
1966-1977 Educación Media: Conservatorio Nacional de Música y Artes Escénicas: Bachillerato en Arte especializado en Piano.
1970-1973 Educación Media: Escuela Normal Central para Varones: Título de Maestro de Educación Primaria Urbana.
1980-1984 Educación Diversificada: Escuela Normal para Maestros de Educación Musical “Jesús María Alvarado”, Título de Maestro de Educación Musical
1975-1985 Estudios Universitarios: Universidad de San Carlos de Guatemala y Universidad Mariano Gálvez de Guatemala, Noveno Semestre de Arquitectura.
1988-2007 Doce cursos de Economía para Periodistas: Centro de Investigaciones Económicas Nacionales –CIEN- y Universidad Francisco Marroquín.
1991- Dos seminarios de Producción de Publicaciones Especializadas e Institucionales: Federación de Entidades Privadas de Centro América y Panamá –FEDEPRICAP- y Agencia Centroamericana de Información –AGENCAI-, San José Costa Rica, Costa Rica.
2001- Curso Intensivo “Internet Explorer”, Escuela New Horizons, Computer Learning Centers.
2003- Seminario de Cooperación Guatemala-Israel: “Sistemas de Información de la Cancillería”, Ministerio de Relaciones Exteriores de Guatemala.

III. EXPERIENCIA LABORAL EN MÚSICA Y OTROS:
1975- Catedrático de Dirección Coral y Práctica Coral en la Escuela Normal para Maestros de Educación Musical “Jesús María Alvarado”.
1982-1994 Pianista y Organista de la Unión Church of Guatemala y del Coro de la Blane Chapel.
1985- Catedrático de Educación Musical en el Colegio Americano de Guatemala.
1986- Catedrático de Educación Musical en el Colegio “La Patria”.
1986- Profesor de Órgano en el Conservatorio “Nueva Canción”.
1987- Profesor de Entonación, Teoría y Dictado, Solfeo y Órgano de la Academia
Menonita de Música.
1987-1989 Profesor de Educación Musical en el Instituto Bíblico Nocturno de las Asambleas de Dios en Guatemala.
1988-2008 Director Fundador de la Escuela de Música “Gómez Prado”.
1988-2008 Organista, Pianista y Coordinador del Grupo de Cámara de la Iglesia Nazaret Central.
1993-2008 Encargado de Prensa e Información: Embajada de Israel en Guatemala.

IV. MÉRITOS OBTENIDOS, ASOCIADO A DIVERSAS ENTIDADES Y PARTICIPANTE EN EVENTOS ACADÉMICOS Y CULTURALES.
1973-2008 Reportero, redactor, columnista y director de medios de comunicación
sociales escritos y radiales, relacionados con temas espirituales, culturales y
artísticos, así como participante en programas televisivos.
1991-1993 Vocal del Instituto de Relaciones Culturales Guatemala-Israel.
1988-2008 Asociado de la Asociación de Periodistas de Guatemala –APG-
1994-2005 Asociado a la Asociación de Agregados de Prensa de las Representaciones Diplomáticas Acreditadas en Guatemala –AGEPRED-
2005 - Diploma de Reconocimiento de la Asociación de Periodistas de Guatemala
por sus 25 años en el periodismo.
1991- Invitado como delegado por Guatemala al Congreso Mundial de Periodistas
en Israel, realizado por el Instituto de Relaciones Culturales Israel-
Iberoamérica, del Ministerio de Relaciones Exteriores de Israel.
1998- Integrante del Coro “Celebremos su Gloria” representando a Guatemala en
Israel, en el Festival Internacional de Coros, invitado por el Ministerio de
Turismo de Israel.

Apreciación del Arte Dramático

2008-08-19T16:02:00.000-07:00

Lo aristotelico y no aristotelico.

POR CESAR CHUPINA. Recordemos la definición de signo. Es TODO AQUELLO QUE DICE ALGO. Pues bien, atendiendo a esta definición, decir qué son signos teatrales será igual de fácil. A la frase anterior, escrita en altas, hay que agregarle donde es que dicen los signos y ya: SIGNO TEATRAL ES TODO AQUELLO QUE DICE ALGO EN EL ESCENARIO. Así de sencillo.

Los estudiosos, para fines didácticos dicen que son 13 los signos teatrales. Nosotros no vamos a contradecirles sin dejar de estar conscientes que pueden ser 13 o pueden ser más o pueden ser menos. Esta división es sólo para fines de aprendizaje porque al fin de cuentas si a un director se le viene en gana poner sólo 12 los pondrá y si agrega otro también lo pondrá. Por ejemplo, en mi Compañía Epidauro contemplé al definir mi estilo como signo teatral siempre al público porque lo hice siempre participar mucho en mis obras y en ningún libro se encontrará que el público es un signo teatral. En cambio si se encontrará que tanto maquillaje como decorado son signos teatrales pero, a veces, Epidauro ha prescindido de los mismos. Por lo tanto la regla no es rígida.

1) Las palabras o parlamentos que dicen los actores.
2) El tono con que dicen las palabras o parlamentos los actores.
3) La mímica del rostro de los actores.
4) El gesto de los actores.
5) El movimiento escénico de los actores.
6) El maquillaje que llevan los actores.
7) El peinado de los actores.
8) El traje de los actores.
9) El accesorio de los actores.
10) El decorado.
11) La iluminación.
12) La música.
13) El sonido.

Dependiendo de la forma en que el director use los signos teatrales su obra de teatro trascenderá a categoría estética o de arte. Si bien todo hecho escénico es teatro, no todo hecho escénico es arte. La diferencia la da el director que logra convertir una simple representación en una obra de arte. Por ello, todo mundo puede hacer teatro. Pero no todo mundo trasciende ni es artista. Hay una diferencia sutil que el alumno va descubriendo poco a poco.

Por supuesto que el objetivo de mi persona y escuela de teatro fue siempre elevar el hecho escénico a categoría de arte. Me dio siempre un poco de pensar ver cómo escuelas como la de la Universidad popular degradaban el teatro a cualquier cosa quitándole esa categoría.

Lamentablemente, por ser la diferencia tan sutil es algo difícil de entender pero toda vez el alumno supere esta sutileza, todo le será más sencillo. De hecho esta sutileza es la enemiga número uno de todo estudiante de Arte Dramático quien puede quedarse como un ignorante al despreciar el conocimiento pensando que todo aquello que brilla en escena es el oro artístico. ¡Cuidado que eses es el principal defecto de la mayoría de los que han pasado por las aulas de la UP! Se han creído artistas sin serlo.

Ahora nos toca aplicar la teoría de los Signos Teatrales al hecho escénico. Para el efecto debemos primero saber que HECHO ESCENICO se le llama a TODO TEATRO REPRESENTANDO. Como tal el HECHO ESCENICO ES UNA ESTRUCTURA. Es decir, un conjunto de elementos (o signos teatrales) que al oponerse y complementarse al mismo tiempo forman un todo que es único e individual.

Cada hecho escénico tiene una FORMA. Es decir, los signos teatrales están estructurados de una manera propia. Esto corresponde A un DISEÑO hecho previamente. Es decir a cómo el responsable del hecho escénico decidió deben estar los signos teatrales presentados.

Cada hecho escénico tiene también un CONTENIDO. Y es la combinación de forma y contenido (es decir su significante y significado) los que determinan su SIGNIFICACION TOTAL. El contenido es lo que los signos teatrales nos están diciendo. Lo que el artista está expresando. Lo que comúnmente podría denominarse MENSAJE.

El responsable del hecho escénico se llama DIRECTOR DE TEATRO. Este es el que va a decir o expresar por medio de los dignos teatrales algo (recordemos que signo teatral es todo aquello que dice algo en el teatro). El director es una especie de COORDINADOR de actores con el texto, el maquillaje, el vestuario, el decorado, etc.

Inferimos con lo anterior que la cosmovisión (forma de ver el mundo), la estética (la sensibilidad artística y la cultura (lo que se sabe, instrucción, estudios, etc) del director son fundamentales a la hora de la creación de un hecho escénico. No es lo mismo un William Shakespeare que en sus obras de teatro transmite al hombre aspectos trascendentales que le han preocupado en todos los tiempos como la vida, la muerte y el amor a una persona que se ocupa sólo por satirizar a los actuales gobernantes de cualquier nación.

Por ello hay autores y directores que trascienden su época y otros que no. La historia está llena de los dos. El verdadero artista es aquel que persigue los valores universales como sucedió con Shakespeare. No es lo mismo alguien que nos presenta una escena amorosa con estética (que va muy de la mano con el buen gusto) a alguien que lo hace de manera pornográfica y obscena. Tampoco será lo mismo alguien que no tiene cultura a alguien que ha leído, viajado y se informa constantemente.

Pero el director también debe saber cómo dirigir. Es decir, debe manejar una TECNICA que es la forma de poder realizar. Esto es fundamental en un país como Guatemala en el que se cree que cualquiera por aprenderse un papel y decirlo en el escenario es ya actor o actriz y que alguien por haberle dicho a los actores que mejor se muevan de una forma y no de otra es DIRECTOR.

El director debe desarrollarse en todas las aéreas del conocimiento y quehacer teatral. El director es la cúspide en la trascendencia teatral. Generalmente, cada uno desarrolla su propia técnica de manera ecléctica. Pero hay quienes siguen métodos dados por los grandes maestros. Un hecho escénico reflejará siempre la maestría técnica cuando existe. Ahora bien, al hablar de técnica de dirección debemos salirnos de la idea tradicional de director que pide ser imitado porque el arte del actor vale por si mismo y no es imitativo. En la actualidad ciencias como la Psicología y Antología, la Filosofía y hasta la misma religión le dan al director de teatro elementos para poder manejar el grupo y coordinar los signos teatrales de manera más original, trascendente y efectiva.

En mi escuela el alumno no aprende a dirigir desde el principio porque esa es una especialidad de nuestra escuela. Pero aprende inicialmente a valorar la labor del director. Así como se dice que tras un gran hombre hay una gran mujer...podemos decir que tras una gran obra de teatro hay un gran director o directora.

Muchas personas creen que hacer teatro es aprenderse un papel y repetirlo como loro en un espacio escénico. Otros piensan que el director es aquel que se ocupa de poner en escena íntegramente todo lo que escribió el autor del texto. Esto, si bien es cierto fue realidad hasta el siglo XIX, en la actualidad ha pasado de moda porque en el teatro todos los roles están bien diferenciados y es así como a nivel textual existen dos niveles. EL LINGÜÍSTICO y EL TRNASLINGUISTICO.

Debe entenderse como el NIVEL LINGÜÍSTICO DEL TEXTO a toda obra de teatro escrita. Esta deberá ser analizada y entendida dentro de los cánones literarios y muchas veces como base para un hecho escénico es inservible como el que se conoce como TEATRO PARA LEER, del cual hay grandes ejemplares como es el caso de las obras de Corneille y Racine, ambos del renacimiento francés. Este último, por ejemplo, con su obra Fedra ha dejado uno de los textos más exquisitos que se hayan producido en base al tema de la madrastra que se enamora del hijastro pero su puesta en escenas casi imposible y por ello es difícil ver que algún director contemporáneo se interese en la misma.

Lo anterior no sucede con la Fedra clásica de la época de los griegos porque este texto se circunscribe dentro de lo que se conoce en argot teatral como TEATRO PARA MONTAR. Y es aquí donde pasamos al NIVEL TRANSLINGUISTICO DEL TEXTO. Si analizamos la palabra trans (en translinguistico) vemos que significa traspaso...es decir, un texto que va más allá de lo lingüístico, trasciende o traspasa la gramática y puede acomodarse muy bien dentro de los signos de un hecho escénico. O sea que el texto pasa a ser un signo más en el escenario junto al vestuario, maquillaje, decorado, etc.

Cuando leemos una obra de teatro estamos en el nivel lingüístico y lo que hacemos es eso: leer cada una de las palabras que componen el texto. Pero cuando la vemos en escena no la leemos, ESCUCHAMOS el texto. ES LO QUE LOS ACTORES DICEN POR MEDIO DE SU VOZ.

Cualquier texto de radio, cine y TV trasciende el aspecto lingüístico. Entonces entran en juego otros dos signos que dependen propiamente de la voz del actor: EL TONO y EL ACENTO que constituirán la forma en que el actor dirá los parlamentos. Cualquier palabra que se nos ocurra la leemos igual en cualquier texto pero al escucharla podemos escucharla de diferente forma dependiendo del tono y el acento con que sea pronunciada.

Por ello Stanislavsky, uno de los grandes maestros del teatro contemporáneo afirmaba que había más de mil maneras de decir el padre nuestro y Enrique Dávila, gran maestro de voz y dicción guatemalteco ponía a los alumnos a decir la palabra mierda. A cada uno le salía distinto primero porque cada uno tiene un timbre de voz propio y segundo porque si se le dice a alguien dígalo triste...es diferente a si lo dice enojado...meditabundo...alegre...con odio..etc.

Cuando mi alumno (a) ha llegado a este nivel de conocimiento debe hacer un ejercicio con la palabra que prefiere para experimentar lo anterior. Luego, toma un texto dramático clásico. Lee uno o dos parlamentos. Luego, lo dice en voz alta. Ve allí la diferencia. De allí lo dice jugando con los tonos y los acentos. Ve que no es igual si lo dice alegre...enojado...triste...o si finge ser una persona de habla inglesa que está alegre...enojada...triste...o si es un indígena guatemalteco....el etcétera es muy largo y es lo que le da múltiples posibilidades a cualquier texto en el NIVEL TRANSLINGUISTICO del mismo que es la del hecho escénico en sí. La literatura aquí queda de lado.

Ahora debemos entrar a lo que se mira y lo que se escucha en el escenario desde el punto de vista del espectador que es para quien realizamos siempre un hecho escénico. El teatro es un sistema audiovisual; es decir, entra por los ojos y los oídos a quien quiera que sea su publico.

Los primero que un espectador va a ver es fundamentalmente a los actores ya que podemos prescindir de cualesquiera de los otros signos pero siempre deberá haber actores para que exista el teatro. Para que se diferencie del resto de las artes y de cualquier otro tipo de comunicación personal, el actor estudia lo que se denomina TÉCNICA ACTORAL, la cual difiere mucho si el actor es de teatro, de cine o de televisión. En estas ultimas quien habla mas es la cámara.

En el teatro lo que habla es el cuerpo y la voz del actor, su propia personalidad. Es decir, los signos MOVIMIENTO, GESTO y lo que se conoce en términos generales como expresión corporal. Es decir, la forma en que se mueve y desplaza el actor, los gestos que hace y como su cuerpo se coordina y adhiere a la lógica que se presenta en escena. Si el actor, va a realizar un perrito, por ejemplo, puede hacerlo gateando. Eso le dará el cuerpo del personaje que interpreta.

Para hacer más atractivo el trabajo del actor, el director echa mano de lo que se conocen como ASPECTOS TÉCNICOS. Existen de tres clases:
QUE VISTEN AL ACTOR,
QUE SE LE AGREGAN AL ACTOR
Y QUE LO ACOMPANAN.

Dentro de los primeros se encuentra el vestuario, el peinado, el tocado y el calzado. Todos ellos forman parte de la indumentaria o vestuario del intérprete de teatro y el especialista al que se dirige el director para que salgan perfectos se denomina vestuarista o diseñador-realizador de vestuario. Al actor se le pueden agregar algunos signos tales como maquillaje, máscaras y postizos. Estos están en el dominio del especialista denominado maquillista.

También se puede el actor hacer acompañar de otros signos tales como la luz y el decorado. Para ello recurre a los especialistas llamados luminotécnico y escenógrafo. Es, por ello, que además de la cultura general del director se debe contemplar la cultura teatral que exige el dominio de disciplinas como el vestuario, maquillaje, la luminotecnia y la escenografía. No para que las realice pero si para que sepa mandar a hacerlas.

Con lo auditivo en escena ocurre lo mismo. El SONIDO, LA MUSICA y EL RUIDO pueden ser producto del trabajo de especialistas tales como músicos y/o musicalizadores, denominados algunas veces ingenieros o técnicos en sonido. Muchas veces, la obra va acompañada de partituras originales que son verdaderas obras maestras.

Dentro de lo auditivo, básicamente el espectador escucha los PARLAMENTOS que dicen los actores y que van marcando la esencia de la obra. En el aspecto auditivo, un director de teatro muchas veces echa mano, además del trabajo de los especialistas, de la tecnología auditiva o electroacústica. Así no es raro que posea una basta colección de música de todo tipo, grabaciones de sonidos, una grabadora, micrófonos, etc. Que de todo esto hace uso el teatro contemporáneo. Ya no es necesario pegarle a una lamina enorme (de las que se colocan en los techos de las casas) para hacer el ruido de los truenos. Ahora hay discos donde ya viene el trueno grabado y eso hace más fácil el trabajo.

De hecho, el buen gusto se refleja en la forma en que el director manera tanto lo visual como lo auditivo en escena. Tanto lo auditivo como lo visual puede contribuir a crear una atmosfera que influya psicológicamente al espectador. Por ejemplo, en la obra El Lugar, Contacto con la Muerte II de Epidauro a base de la repetición constante de varios parlamentos y de ruidos de distinta naturaleza grabados se llegaba a crear una atmosfera de desesperación para que también el espectador sintiera que esta en ese lugar al que van las almas antes de su juicio final después de haberse suicidado.

Lo más común entre los directores es que estos echen mano de la PSICOLOGÍA DE LA FORMA Y EL COLOR a la hora de hacer una obra de teatro. Esta influye sobremanera en los espectadores. Jamás se nos ocurriría vestir de negro a un hada madrina. Pero si a una bruja o a un ser macabro.

A un grupo neófito en estos aspectos, se le ocurrió poner un decorado negro para una obra de teatro para niños, lo cual no hubiese estado tan mal si se combina bien con los otros elementos. Pero en la primera escena salían los personajes con pantalón negro y camisa blanca, perdiéndoseles las piernas en el fondo. Los niños desde el primer momento rechazaron la obra porque lo colores que a estos gustan son vivos, vistosos y en combinación policromada.

La forma también cuenta con su propia psicología. Las figuras redondas, las cuadradas, las triangulas, las que se elevan, las que se achatan, las que terminan o las que se pierden en el espacio...todas... tienen su propio lenguaje y en el teatro toda la escena puede constituir un cuadro plástico o un fotorama agradable. Y ese cuadro, además, puede reducirse, solo al trabajo actoral ya que el actor o la actriz en su cuerpo posee la virtud de elaborar formas, las cuales, individualmente o en conjunto dicen mucho y tienen su propia psicología.

Así que si mi estudiante desea dedicarse a la dirección teatral deberá empezar a cultivarse en esta área que será una de sus principales herramientas de creación.
Existe lo que en teatro se denominan sistemas teatrales y básicamente son dos: Los aristotélicos y los no aristotélicos. Expliquemos primero lo que son sistemas teatrales.

Como su nombre lo indica son formas o esquemas de hacer teatro. Desde época de los griegos ha sido ARISTOTELES el que ha dado la pauta de estas y todo ha girado de acuerdo a su poética hasta la década de los 30 con el aparecimiento de Bertold BRECHT que revoluciona toda la forma aristotélica de hacer teatro y crea otro método.
Para entender lo anterior debemos ir a algunos elementos básicos. Primero, el sistema teatral aristotélico se contrapone al brechtiano y de la oposición de ambos han surgido otros. Por ello, en esta materia este es uno de los puntos básicos aunque quizá el más complicado y difícil de comprender

Fundamentalmente el sistema aristotélico se fundamenta en la ACCION DRAMATICA. Es decir, la característica propia del teatro es el accionar. Brecth, por su parte crea lo que se denomina TEATRO EPICO. Es decir, la acción aquí no es fundamental sino la NARRACION.

De lo anterior empiezan a desprenderse otras características que contraponen a un sistema y a otro. La acción dramática aristotélica está hecha para EMOCIONALIZAR al espectador. Es decir, para que el espectador se identifique emocionalmente con la acción y/o personajes lográndose muchas veces tal empatía que se crea la katarsis.

El teatro brechtiano por su parte no persigue la emoción, la elimina porque quiere hacer PENSAR al espectador a tal grado que nunca pierda la perspectiva que está viendo una obra de teatro mientras que el sistema aristotélico hace que el espectador se identifique de tal forma que se mete en la trama. Para que esto no suceda Brecht crea lo que se denomina ELEMENTO DISTANCIADOR o ROMPIMIENTOS BRECHTIANOS que hacen que el espectador no se identifique. Así en sus obras, cuando el espectador ya está metiéndose en la trama, de pronto aparece una canción estúpida o algún elemento que “saca de onda” y vuelve al espectador a la realidad. Y es que el fin último del teatro brechtiano es el mensaje que en su totalidad es de carácter político.

De aquí se desprende que el teatro aristotélico es PSICOLOGIZANTE en contraposición al brechtiano que es IDIOLOGIZANTE. De esto último se desprende la rama marxista del teatro en el siglo XX que perseguía la concientización de las masas, recurso que utilizó mucho la guerrilla guatemalteca en la época de la guerra y que intentó empezar a utilizar el ejército con menores frutos que su contrincante.
Lo importante de estos dos sistemas y sus derivados es que no sólo rompen con una tradición milenaria, la Aristotélica, sino que la fusión de las dos ha enriquecido sobremanera el teatro universal. El sentido ecléctico que se maneja en la actualidad es la riqueza del teatro.

Con mi grupo Epidauro tomo elementos no aristotélicos como el hacer pensar al espectador, la utilización de elementos brechtianos como los distanciamientos, etc.: estos, sumados a elementos aristotélicos como la secuencia lógica de la trama, la utilización de la empatía entre personajes y público, el manejo de la psicología de la forma y el color, etc. Le dan originalidad como a otros grupos. Uno de los grandes logros ha sido el rompimiento de tiempo, espacio y distancia entre público y espectador que hace que este último no pierda la noción de que está en una obra de teatro pero sin caer en el aspecto ideológico.

Hacer Teatro

2008-08-19T15:59:00.000-07:00

El proceso de codificación de una obra

POR CESAR CHUPINA. Cuando el artista está construyendo su obra de arte elabora una CODIFICACION y el realizarla es un PROCESO. Por tanto, PROCESO DE CODIFICACION no es más que el hacer la obra de arte. ¿Por qué llamamos de codificación a este proceso? Porque toda obra de arte es un lenguaje, un código que se estructura para decir siempre algo.

El HECHO ESCENICO ESTRUCTURA LOS SIGNOS TEATRALES. El material con el que se trabaja son SERES HUMANOS llamados ACTORES y quien lo realiza se denomina DIRECTOR DE TEATRO. Atendiendo esta explicación elemental podemos elaborar un cuadro sinóptico para las otras artes con los siguientes tres elementos: ARTE MATERIAL REALIZADOR O ARTISTA

Arquitectura Espacio y materiales de construcción Arquitecto
Literatura Narrativa Palabra escrita descriptiva Narrador, escritor o literato.
Literatura Dramática Palabra escrita dialogada Dramaturgo
Poesía Palabra rítmica y musical Poeta
Pintura Imagen, pigmentos y lienzos Pintor
Escultura Imagen, materiales sólidos y texturas Escultor
Danza Movimiento humano (bailarines) Coreógrafo
Fotografía Imagen fija en papel por medios químicos Fotógrafo
Música Sonidos interpretados Compositor
Cine Imagen en movimiento plasmada en película Cineasta o director de cine

Habiendo asimilado lo anterior es necesario empezar a analizar una, varias o todas las parcelas de la Historia del Arte para aplicar los conocimientos. Entendemos como parcela de la Historia del Arte a un gran período, caracterizado por la plasmación en el arte de los mismos cánones, formas y contenidos. Un ejemplo importantísimo para los americanos y, especialmente, los guatemaltecos es EL BARROCO.

El Barroco se encuentra por doquier así como el NEOCLASICO. Ambos elementos pueden contraponerse y complementarse. Uno de los mejores ejemplos de solo BARROCO es la Iglesia de La Merced de La Antigua Guatemala o toda esta ciudad. Pero un ejemplo de complementariedad es la Iglesia de La Merced de la Ciudad Capital. En esta última vemos todo el exterior neoclásico, producto de una época en la que se anhelaba la libertad, la sobriedad, la elegancia y se admiraba todo lo clásico. Pero por dentro, todo es barroco porque fue literalmente arrancado de su original antigüeño en la guerra que se armó con el traslado de la ciudad al Valle de La Ermita.

El Barroco por excelencia sintetiza la fe católica. La relación del hombre con Dios es oro y por todo es dorado. Está llena de detalles y a eso se debe su realismo, a veces exagerado. Y como el hombre teme al vacio, ese temor lo plasma en quererlo llenar. Pese a ello hay grandes espacios en la pintura porque no sabe qué hacer con él. Ese vacío es el mismo que las almas sienten el destierro en el mundo, alejadas del creador que es lo único que llena.

En este momento el estudiante puede comprar la guía de dicha Iglesia y empezar a aprender como en un museo -porque eso es lo que es ya que está reconocido internacionalmente como tal-lo que sus antepasados sintieron. Mucho de lo que somos lo heredamos de esa época. Luego, puede instruirse más sobre el barroco en los otros países y, poco a poco, irá comprendiendo el proceso de codificación. ¿Para qué sirve esto a un estudiante de Teatro? Primero por cultura. Segundo, y lo más importante, porque así comprenderá que en la época en la que vive también estará transmitiendo algo a la hora de elaborar su obra de arte, algo que las generaciones futuras interpretarán como él o ella lo harán ahora con el barroco.

Semiótica Teatral

2008-08-19T15:58:00.001-07:00

La Semiótica estudia los signos artísticos

POR CESAR CHUPINA. El signo debe definirse de la manera más sencilla. Es TODO AQUELLO QUE DICE ALGO. El tenerlo presente nos ayudará de mucho para luego definir lo que son los signos teatrales en la siguiente unidad.

Si vemos nuestro entorno estamos rodeados de signos. Es decir, de muchas cosas que nos dicen algo. Cada una a su manera. Si vamos por la calle, por ejemplo, abundando los semáforos que en cada cambio de color nos dicen algo...los números nos dicen muchas cosas...en las casas...autobuses...los colores...las plantas...las formas de las casas. Vamos. Dé un paseo por algunas calles y percátese.

Si nos detenemos en los números de los autobuses veremos que el 34 marca una ruta distinta al 1 y al 2. Las tres camionetas pueden tomarse en la 13 calle de la zona 1.Todas van por distinto rumbo y si queremos tomar la 34 y no la podemos abordar ¿qué hacemos? Esperamos otra 34. Jamás abordaríamos la 2 porque el número 34 nos dice es la que debemos tomar si vamos a Lomas del Norte, zona 18. En cambio la 1, va a la zona 15, al otro extremo de la ciudad.

Concluido su paseo por la ciudad, veamos ahora las partes que componen al signo. Estas son SIGNIFICANTE, SIGNIFICADO y SIGNIFICACION. El primero es el signo en sí, su forma. En el caso del número 34, este está compuesto por dos dígitos: El 3 y el 4 y cada uno de ellos tiene una forma definida que nos hace saber que 3 es 3 y 4 es 4 y juntos dan 34. El significante es entonces lo que esa forma significa. Es decir, los dos aparentes semicírculos (uno sobre otro) que conforman el 3 significan tres. O sea: Un número, tres unidades, etc.

En cuanto a la significación es la suma de significante y significante. Todo signo dice algo porque tiene una significación que le da valor. Si no dijeran nada no sólo pasaría por desapercibido sino no tendría objeto, sentido o validez; estas tres últimas palabras se encierran en lo que queremos decir con significación.

Ahora bien, muchos signos en un conglomerado social o cultura significan una cosa y en otra significan otra o no significan nada. Si decimos, por ejemplo que para escribir el número 34 debemos poner un 3 y un 4 en castellano, que es nuestro idioma lo entendemos perfectamente. Pero si se lo decimos a un individuo que sólo habla inglés la y no le dirá nada. Debemos poner 3 and 4. Se imaginará entonces el estudiante qué pasaría con un chino que no maneja nuestro sistema de numeración.

Otro ejemplo: En su paseo por la ciudad el estudiante habrá observado que los choferes de autobuses y automóviles conducen del lado izquierdo porque de ese lado está el volante. Eso no ocurre en Londres o Australia porque el volante va del lado contrario. Si colocáramos un auto inglés en nuestro tráfico o uno nuestro en el inglés habría mucho problema y confusión para el conductor. Por ello decimos que CADA SIGNO ES UN PRODUCTO CULTURAL. En cada cultura dice algo pero no necesariamente tiene que decir algo en otra aunque muchos signos sean utilizados de igual forma en muchas partes del mundo.

También el signo es un producto cultural porque para que la sociedad lo haya adaptado ha tenido que acostumbrarse al mismo y esto ha llevado mucho tiempo, muchas generaciones y en algunos casos, siglos y hasta milenios. Por ello, se dice que cada signo es producto de la historia o tiene la propia. Si analizamos la luz verde del semáforo vemos que nos cede el paso a la hora de ir conduciendo un vehículo. Pero para que esa luz verde pudiera llegar a significar que puedo seguir mi camino debió primero existir la electricidad, luego inventarse los semáforos y de allí la sociedad acostumbrarse a que ese color significa que puedo pasar. Se imagina el estudiante cuanto tiempo llevó eso. Y eso es historia ¿o no?

Los signos también pueden llegar a morir. Esta es otra de las razones por las que se dice es un producto cultural. Actualmente en un autobús ya no está mal visto que un hombre no le ceda el asiento a una mujer. A todos nos da igual. Pero si esto hubiese sido en la década de los 70, el hombre hubiese sido criticado y su gesto de no ceder el asiento a la dama visto como signo de mala educación, nula caballerosidad y falta de hombría.

Existen tres clases de signos; Index, Icono y Símbolo. El Index es aquel signo de fácil comprensión. 3 significa tres, número tres. El Icono es más visual. La publicidad es especialista en su manejo. El símbolo es aquello que además decir algo lo representa. Es el caso de una bandera o un mapa. Nos es fácil reconocer la bandera de Guatemala. Representa Guatemala. Nos es fácil reconocer el mapa. Representa también al país. Pero ninguno de los dos es el país a pesar de encerrarlo en toda su simbología. Una bandera puede ser un pedazo de tela de color azul, blanco y azul pero no es el país en sí a pesar de entender que lo representa.

Aprender muy bien las tres clases de signos es muy importante para el estudiante de teatro y sobretodo detenerse en torno a los símbolos porque el teatro contemporáneo echa mano de muchos s{émbolos y en la mayoría de los casos los inventa.
Y para finalizar esta unidad debemos ver que LA CIENCIA QUE ESTUDIA LOS SIGNOS ES LA SEMIOTICA, una disciplina joven que ni siquiera lleva un siglo de vida.

Algunos autores reconocen que la Semiología es la ciencia de los signos. Pero nosotros estamos de acuerdo con los teóricos que explican que Semiótica estudia los signos culturales (entre ellos el teatro) y la Semiología se circunscribe a los signos médicos y trata de los síntomas de las enfermedades. Así que un dolor de cabeza puede implicar la semiología de una gripe y un vestido del renacimiento inglés la semiótica de una obra de teatro basada en un texto de William Shakespeare que en sí mismo es ya otro signo.

Presentación

2008-08-19T15:47:00.000-07:00

DESCRIPCIÓN GENERAL
El Festival Apolo es una actividad anual, tiene como fin promover el desarrollo del las escuelas de Bellas Artes y fortalecer la comunicación entre los integrantes de las mismas a través de la participación en actividades colaborativas. Al mismo tiempo, la proyección del lugar en el que se realice como una entidad cultural de acuerdo a los parámetros contemporáneos de la Museografía.

MISIÓN
El Festival Apolo pretende contribuir con la revalorización de las Escuelas de Bellas Artes. Se propone como espacio de expresión y participación de los miembros de las mismas: Alumnos, Profesores, Directivos, etc.

VISIÓN
El Arte de las Escuelas de Bellas Artes de Guatemala será un sector del valorizado por los ciudadanos. El Festival Apolo será un punto de convergencia para creadores, gente de cultura, empresarios, educadores, comunicadores y población en general, un centro de atracción internacional que nos identifique ante el mundo como uno de los países productores de arte y cultura más sobresalientes del globo

PRINCIPIOS:
Pluralismo
Participación
Honestidad
Creatividad
Amor al arte
Responsabilidad ciudadana
Desarrollo social
Estudio
Verdad
Independencia política, religiosa e ideológica

OBJETIVOS
1. Fortalecer los vínculos entre las personas e instituciones interesadas en dignificar y exaltar el producto de las Escuelas de Arte de Guatemala.

2. Proporcionar información del pasado y del presente del quehacer artístico a sus participantes y a toda persona e institución que muestre interés por obtenerla.

3. Crear espacios de colaboración que permitan potenciar los esfuerzos de quienes quieran y puedan aportar con la proyección de las Escuelas de Arte en la estructura de una Red de autogestión de acuerdo a los intereses de sus integrantes.

4. Crear un programa de actividades que permita a los guatemaltecos acercarse a los creadores estudiantes y conocer detalles del pasado y presente de las instituciones a las que pertenecen.

5. Fortalecer el conocimiento del Arte de Guatemala, sus valores así como la conciencia del arte para el desarrollo de los pueblos.

6. Proyectar y conectar a las escuelas en sus diferentes ramas.

ORGANIZACIÓN
Para su coordinación y funcionamiento se han integrado las siguientes comisiones:

INSCRIPCION y PROMOCION
REALIZACION DEL EVENTO EN INSTALACIONES CULTURALES
EVALUACION y CONVOCATORIA PARA EL AÑO ENTRANTE

¿QUIÉNES PUEDEN PARTICIPAR?
Personas, empresas, escuelas de Bellas Artes e instituciones interesadas en su realización. Para ello deben estar dispuestas a:
a. Integrarse.
b. Conocer y compartir los principios que rigen a la organización.
c. Asistir a las sesiones que requiera de su presencia.
d. Sugerir o aportar a la misión del Festival.
e. Llenar formulario de inscripción.

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El Festival Apolo al promover las Bellas Artes, promueve las Artes Plásticas.

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•Dedicatoria y homenajes
El Festival Apolo de Bellas Artes resalta la labor de personalidades que son ejemplo para las nuevas generaciones

•Critica
Críticos y comunicadores sociales opinan en el Festival Apolo asì como de sus creaciones y creadores.

•Curriculum
En Festival Apolo participan personalidades y se tiene un acercamiento a ellos.

•Enseñanza
El Festival Apolo es una instancia donde se aprende sobre las Bellas Artes.